La photographie moderne comme art. L'histoire du développement de la photographie en tant qu'art

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Aujourd'hui, grâce au développement des technologies numériques, presque tous les photographes amateurs qui ont ...

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Aujourd'hui, aucun de nous ne doute du fait que la photographie artistique est un art qui reflète la vision créative du photographe en tant qu'artiste. Cependant, même à l'aube du développement de la photographie depuis plusieurs décennies, se posait la question aiguë de savoir si la photographie pouvait être attribuée à l'art ou n'était-elle simplement rien de plus qu'un moyen de capter et de transmettre des informations sur le monde qui nous entoure.

Pendant de nombreuses années, il a fallu que la photographie gagne sa place dans le monde de l'art, aux côtés de la sculpture, du cinéma, de la peinture et du théâtre. Mais maintenant, tout photographe peut exprimer son attitude envers le monde et les phénomènes à travers des moyens photographiques tels que l'angle, la couleur ou le choix du moment de la prise de vue.

Lorsque les premiers tirages photographiques sont apparus, personne ne prenait la photographie au sérieux. Elle n'était considérée que comme une simple gâterie et un jeu d'enfant pour un cercle restreint de personnes. Dans les premières années après sa création, la photographie, en raison de limitations techniques, ne pouvait revendiquer ni documentaire, ni aucune valeur artistique, ni liberté de solutions d'éclairage et de vision créative du photographe.

Au 19ème siècle, il était largement admis que seule une œuvre faite à la main pouvait être qualifiée d'art. En conséquence, les tirages photographiques, qui ont été obtenus à l'aide de diverses méthodes physiques et chimiques, ne pouvaient tout simplement pas revendiquer le statut d'art. Même en dépit du fait que déjà la première génération de photographes essayait d'égayer quelque peu la composition de leurs images avec des techniques et des approches intéressantes, la photographie continuait néanmoins d'être un bibelot amusant aux yeux de l'opinion publique.

La photographie n'était considérée par les critiques de l'époque que comme une copie mécanique de la réalité, susceptible de n'être qu'un semblant de peinture artistique. Jusque dans les années 1920 et 1930, des articles et des publications se sont sérieusement penchés sur la question de savoir si la photographie est un art ou s'il s'agit simplement d'une compétence appliquée et pratique, où la technique joue un rôle clé, et non le photographe lui-même.

Il y a plusieurs périodes dans le développement de la photographie en tant qu'art. Même à l'aube du développement de la photographie, ce n'était pas très différent de la peinture, c'est-à-dire que les photographes essayaient d'utiliser des techniques picturales bien connues d'eux en photographie. Ils ont filmé principalement des objets monumentaux et immobiles. Ces premiers tirages photographiques appartenaient au genre du portrait ou du paysage. De plus, du fait de l'émergence de l'industrie de la presse au XIXe siècle, la photographie occupe le créneau d'un simple témoignage documentaire de certains événements. On peut dire qu'à cette époque on ne parlait pas de l'expressivité et de l'art de la photographie. Quand la photographie est-elle vraiment devenue un art ?

Probablement certains la date exacte ne peut pas être nommé. Mais les historiens de la photographie notent pour eux-mêmes un événement significatif qui s'est produit en 1856. Ensuite, le Suédois Oscar G. Reilander a réalisé un tirage combiné unique à partir de trente négatifs retouchés différents. Sa photographie, intitulée "Two Roads of Life", semblait décrire une ancienne saga sur l'entrée de deux jeunes dans la vie. L'un des personnages principaux de la photo se tourne vers diverses vertus, la miséricorde, la religion et l'artisanat, tandis que l'autre, au contraire, aime les charmes pécheurs de la vie comme jeu, le vin et l'immoralité. Cette photographie allégorique est immédiatement devenue largement connue. Et après l'exposition de Manchester, la reine Victoria elle-même a acquis la photographie de Reilander pour la collection du prince Albert.

Cette photographie combinée peut à juste titre être attribuée à l'une des premières œuvres indépendantes liées à la photographie. La créativité Oscar G. Reilander s'appuya, bien sûr, sur la formation classique en histoire de l'art qu'il reçut à l'Académie romaine. À l'avenir, diverses expériences de photomontage et le développement de double exposition, et avec de superbes photographies multi-expositions.

Le travail de Reilander a été poursuivi par le talentueux artiste et photographe Henry Peach Robinson, devenu célèbre pour sa photographie composite "Leaving", réalisée à partir de cinq négatifs. Cette photographie artistique était d'une jeune fille mourant dans une chaise, sur laquelle sa sœur et sa mère se tiennent tristement, tandis que son père se penche sur fenêtre ouverte. L'image "Leaving" a été critiquée pour avoir déformé la vérité, mais a néanmoins gagné en popularité. Il a été immédiatement acquis par la cour royale anglaise, et le prince héritier a même donné à Robinson une commande permanente pour une copie d'une telle photographie.

Robinson lui-même est devenu le principal représentant de la soi-disant photographie picturale en Angleterre et en Europe. Cette direction de l'art photographique a occupé une position dominante dans la photographie jusqu'à la première décennie du XXe siècle. De nombreux effets picturaux et techniques ont été utilisés dans la photographie picturale.

Il faut dire que la photo pendant longtemps ne pouvait pas quitter "l'ombre" de la peinture. Cependant, le développement de la photographie en tant qu'art indépendant au début du siècle dernier a été largement facilité par des expositions régulières, où, à côté de simples beaux clichés, les spectateurs pouvaient voir des photographies intéressantes qui méritent le titre d '«œuvre d'art». L'une des premières expositions internationales de ce type fut la modestement nommée 291 Gallery of Photography, ouverte par Alfred Stieglitz en 1905 à New York. Il s'agit d'une véritable exposition d'art contemporain, où les noms d'artistes célèbres n'ont rien à envier aux photographes.

Avec le début des années 1920 et 1930, une nouvelle période s'ouvre dans la photographie, directement liée à la production de masse de journaux et de magazines. La photographie change de style au profit de la photographie documentaire et de reportage. Réalisation documentaire et artistique s'entremêlent peu à peu dans la photographie en un tout unique. Une nouvelle génération de photographes est apparue qui, à travers le reportage et la photographie documentaire, a fait quotidiennement l'histoire de leur pays et du monde entier. Pendant cette période, l'art photographique était étroitement lié les uns aux autres. expressivité artistique avec une composante idéologique et sociale.

La photographie devient porteuse d'une certaine vérité historique, reflet d'événements réels. Non sans raison, dans les années 1920 et 1930, diverses affiches, albums photos et magazines avaient une valeur particulière. C'est au cours de ces années que des communautés et des sociétés d'artistes photographes ont commencé à apparaître, qui cherchaient à faire de la photographie une forme d'art autosuffisante.

Dans notre pays, cependant, ces processus positifs se sont en fait gelés à la fin des années 1930. Rideau de fer a longtemps isolé la photographie domestique des tendances de la vie artistique internationale. Talentueux Photographes soviétiques ont été contraints de ne traiter que du reportage photo réaliste socialiste. Pendant la Seconde Guerre mondiale, nombre d'entre eux ont visité les fronts de bataille et ont pu filmer les moments mémorables de la grande victoire.

Dans les années 1960 et 1970, les photographies sont à nouveau considérées comme indépendantes œuvres d'art. C'est l'ère du photoréalisme et des expériences audacieuses avec diverses technologies photographiques et techniques artistiques. À partir de cette période, tous les domaines de la photographie, qui étaient à la périphérie de l'attention du public, ont finalement reçu le droit d'être présentés comme une valeur artistique indépendante dans l'art. De nouveaux genres photographiques émergent, dans lesquels point clé devient l'intention de l'auteur et la vision créative du photographe. Photographes célèbres de cette époque, dans leurs œuvres, ils ont commencé à aborder des problèmes sociaux emblématiques tels que l'inégalité sociale, la pauvreté, l'exploitation du travail des enfants et bien d'autres.

Nous devons une autre révolution de la photographie au passage de l'argentique aux appareils photo numériques. Le format d'image numérique a permis aux photographes de s'éloigner quelque peu du simple reflet de la réalité qui les entoure. Avec l'avènement des appareils photo numériques, des ordinateurs et des éditeurs graphiques, le photographe a la possibilité de transformer ses images de manière à ce que le spectateur ait la possibilité de se familiariser avec la vision créative du créateur de l'image et de s'immerger dans son irréel. monde. Bien que la photographie soit devenue un phénomène de masse de nos jours, la sélectivité et une «vision» personnelle particulière sont toujours importantes pour la photographie en tant qu'art, permettant à une personne de créer une véritable œuvre d'art à l'aide de moyens photographiques.

Bien qu'un appareil photo numérique puisse prendre plusieurs centaines de photos en quelques minutes, bien sûr, toutes les images ne peuvent pas être qualifiées d'artistiques. Un photographe moderne exprime sa vision du monde ou l'intention de l'auteur par un raccourci, un habile jeu d'ombre et de lumière, un choix fin du moment de prise de vue, et d'autres techniques. Ainsi, au centre même de la photographie se trouve toujours le photographe, pas le technicien. Seule une personne est capable de mettre un morceau de son monde intérieur dans l'image afin que l'image soit «envahie» par de nouvelles émotions et révèle le talent du photographe lui-même.

Kourichev Andrey

Le travail d'enseignement et de recherche s'inscrit dans le cadre de l'étude complémentaire de l'art contemporain. Le sujet est très intéressant pour cet âge. L'étudiant a tenté d'enquêter à son niveau sur l'histoire de l'émergence de ce type de arts visuels comme "photo". Un adolescent répond à des questions telles que « La photographie reflète-t-elle objectivement la réalité ? La photographie est-elle un art ? Et pourquoi les beaux-arts n'ont-ils pas cessé d'exister après l'avènement de la photographie ? L'étudiant a présenté son projet, ainsi que des résultats intéressants d'une étude d'adolescents sur ce sujet, une analyse a été faite.

Le travail est facile à lire et intéressant, le matériel est structuré et présenté logiquement. L'étudiant a souligné la pertinence du sujet, a clairement défini les buts et les objectifs de l'étude.

Principal moments positifs les travaux sont :

1. Un regard sur la photographie comme forme d'art du point de vue d'un adolescent.
2. L'acquisition par les étudiants des connaissances nécessaires sur les questions qui les intéressent, le développement de leur propre réflexion et l'amélioration de soi.

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Aperçu:

Établissement d'enseignement budgétaire municipal

école secondaire n ° 10, Pavlovo

Département - Humanitaire

Section - critique d'art

Travail effectué:

Kurichev Andrey, 15 ans

élève 9 classe "B"

Conseiller scientifique : Shitova Olga Konstantinovna,

Professeur de culture artistique mondiale

Pavlovo

Février 2015

1. Entretien……………………………………………………………………………..3
2. Partie principale………………………………………………… .4-12

« La photographie est-elle un art ?

• Naissance et signification de la photographie………………………………. ….4-6
• La photographie reflète-t-elle objectivement la réalité ?……………………………………………………….. …………7-8
• La photographie est-elle un art ? Et pourquoi les beaux-arts n'ont-ils pas cessé d'exister après l'avènement de la photographie ? ................…….8-9
• Recherche…………………………………………………………………10-12

1. Conclusion. Conclusion……………………………………………………..12
2. Littérature………………………………………………………………………...13

1. Introduction

De nos jours, tout existe pour le bien de

pour finir par une photo.

La photographie momifie le temps.

Henri Bazin

Je pense que contrairement aux arts traditionnels photo a des applications pratiques. Il est utile dans de nombreux domaines de l'activité humaine : en science, dans le processus éducatif, en médecine légale (photographie de scènes de crime, de preuves laissées derrière, etc.), en entreprise de publicité, en carte d'identité, en design, etc. Et si oui, alorsla photographie est-elle un art ?

Cible:

Découvrez si la photographie est une forme d'art?

Tâches:

• Apprenez l'histoire de la naissance et le sens de la photographie.
• Savoir si la photo reflète objectivement la réalité ?
• Découvrez pourquoi, après l'avènement de la photographie, les beaux-arts n'ont pas cessé d'exister ?

Mon hypothèse :

La photographie est un concept plus large que l'art photographique : tout ce qui est filmé avec un appareil photo (ainsi qu'une caméra) ne sera pas de l'art.

Méthodes de recherche

2. Corps principal

2.1. La naissance et le sens de la photographie

Le mot « photographie » est traduit du grec par « light painting ». La lumière est l'élément principal de la création d'images en photographie. Les origines de la technique de la photographie résident dans un phénomène optique connu depuis l'Antiquité : si un faisceau de lumière pénètre dans un petit trou d'une camera obscura (lat. "chambre noire"), alors une image inversée d'objets éclairés sous l'appareil photo apparaîtra sur le mur opposé.

Le premier à capturer une image réelle fut Nicéphore Niépce. Cela s'est passé dans les années 20 du 19ème siècle. Quelques années après les expériences. Cela s'est passé dans les années 20 du 19ème siècle. Quelques années après les expériences de Niepce, Louis Jacques Daguerre obtient une image photographique en utilisant une fine plaque de cuivre recouverte d'une couche d'argent dans une cassette. Ces plaques sont appelées daguerréotypes. En 1839, l'Académie française des sciences reconnaît les mérites de Daguerre et fait de la découverte du savant français la propriété de l'humanité.

1839 est l'année officielle de la naissance de la photographie.

Les daguerréotypes étaient des exemplaires uniques, c'est-à-dire qu'il était impossible d'en faire des copies, et la photographie, vous le savez, se décompose en deux opérations : obtenir un négatif et faire un positif. La technique de fabrication d'un négatif a été découverte par Fox Tabol en 1840.

Depuis lors, beaucoup de choses ont changé : la pellicule est apparue, des technologies permettant de réaliser des photographies en couleur se sont développées et, il n'y a pas si longtemps, est apparue l'impression numérique, basée sur une technologie électronique qui convertit une image optique en un signal électrique.

La naissance de la photographie ne peut s'expliquer uniquement par le développement de la technologie.

Les années 30-40 du 19ème siècle marquent la naissance d'une telle tendance dans l'art que le réalisme critique. Un des postulats du réalisme peut se formuler ainsi : tout principe humain est absolu. Le fait que chaque personne ait sa propre photographie (ne serait-ce que dans un passeport) prouve que chacun de nous est égal à l'autre dans la réalité de la vie. La photographie affirme notre implication dans la vie et l'éternité.

Dans les œuvres du réalisme, la vie humaine est considérée dans un contexte historique (le héros est toujours donné en relation avec l'époque).

Attention à la vie quotidienne, aux détails - tout cela caractérise à la fois un travail réaliste et la photographie.

La photographie est la gardienne du passé : nous étudions les époques historiques, la vie de famille, etc. par des photographies. R. Arnheim a formulé les propriétés génériques de la photographie comme suit : « Inextricablement liée à nature physique paysage et établissements humains, avec l'animal et l'homme, avec nos exploits, nos souffrances et nos joies, la photographie est privilégiée pour aider l'homme à s'étudier. Développez et préservez votre expérience, échangez des messages vitaux… » (Arnheim R. Nouveaux essais sur la psychologie de l'art. - M., 1994, p. 132).

2.2. La photographie reflète-t-elle objectivement la réalité ?

En étudiant différentes sources, j'ai appris que les scientifiques évaluent le potentiel réaliste de la photographie de différentes manières. Par exemple, le scientifique français A. Bazin a soutenu que l'image photographique d'un objet "est cet objet lui-même". La photographie, selon le chercheur, est objective, puisqu'« il n'y a rien entre un objet et son image, sauf un autre objet... Tous les arts reposent sur la présence d'une personne, et ce n'est qu'en photographie que l'on peut apprécier son absence. La photographie nous affecte comme un phénomène « naturel », comme une fleur ou un cristal de neige… » (Bazen A. Qu'est-ce que le cinéma ? - M., 1972. - p. 44). Les possibilités esthétiques de la photographie résident dans la révélation du réel, qui apparaît directement sans médiateurs verbaux et autres artificiels. L'objectif de la caméra "libère le sujet des idées et des préjugés habituels", et le cinéma "se présente devant nous comme l'achèvement de l'objectivité photographique dans la dimension temporelle... Pour la première fois, l'image des choses devient aussi une image de leur existence dans le temps … » (Bazin A., p. 45).

Il y a aussi un point de vue opposé. "Nous savons tous", écrit Yu.M. Lotman, - à quel point les photographies peuvent être dissemblables et déformantes. Plus nous connaissons une personne, plus nous trouvons de dissemblances dans les photographies. Pour chaque personne dont nous connaissons vraiment le visage, nous préférerons un portrait d'un bon artiste à une photographie d'égale compétence. Nous y trouverons plus de similitudes. Mais si on nous donne un portrait et une photographie d'une personne qui nous est inconnue et qu'on nous demande d'en choisir de plus fiables, nous n'hésiterons pas à nous arrêter sur une photographie, tel est le charme du caractère « documentaire » de ce type de texte. »(Lotman Yu.M. On Art. - Saint-Pétersbourg, 2000. - p. 297).

Conclusions : Cette enquête nous fait comprendre que la majorité (66,7%) pense que la photographie reflète objectivement la réalité, et le reste

(33,3%) ne le pensent pas.

2.3. La photographie est-elle un art ? Et pourquoi les beaux-arts n'ont-ils pas cessé d'exister après l'avènement de la photographie ?

Beaucoup d'images passent, de tous les jours, plus précisément, inexpressives, non artistiques, c'est-à-dire qu'elles sont une simple «copie de la réalité». Bien sûr, dans nos photographies domestiques (tout à fait quotidiennes), l'objet de l'image nous intéressera le plus: nous-mêmes, nos proches, nos proches, nos amis, etc. Ces photos seront-elles de l'art ? Pour nous - sans aucun doute : combien d'émotions, de souvenirs ils évoquent. Et pour d'autres personnes, qui nous sont étrangères, l'objet représenté sur notre photo sera-t-il intéressant ? C'est plus difficile ici.

Quelles sont les conditions nécessaires pour qu'une « copie tirée du réel » devienne de l'art ? Apparemment, comme pour tous les autres arts. "L'art ... est la seule activité qui réponde à la tâche de découvrir, d'exprimer et de communiquer le sens personnel de l'activité, la réalité" (Leontiev A.N. Oeuvres psychologiques sélectionnées. - M., 1983. - p. 237).

Des maîtres exceptionnels du XXe siècle tels que A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray et d'autres ont fait de la photographie un art.

J'ai fait une expérience avec mon ami :placé deux photographies devant lui.

En les regardant, mon ami, s'appuyant sur son sens intuitif, a identifié l'un comme "artistique" et l'autre comme "non artistique". A ma question : « Pourquoi a-t-il conclu cela ? - suivie d'une réponse un peu floue : « Bon, c'est clair, c'est juste la vue qui était devant la caméra, mais là quelque chose s'ajoute, une sorte d'ambiance, le photographe voulait exprimer quelque chose, dire de lui-même, transmettre, voyez-vous, quel sentiment… »

J'ai essayé d'exprimer ces pensées d'une manière plus précise.

Dans la production de photographie non artistique, deux participants ont été nommés amis : paysage et appareil photo ; dans la production de la photographie artistique, il a nommé trois intervenants : paysage, appareil, photographe.

Dans le premier cas, la photographie capturait automatiquement ce qui tombait dans le champ de vision de l'objectif, dans le second, quelque chose était ajouté au paysage réel.

En fait, voici ces signes que l'on appelle généralement mettre en évidence caractéristiques distinctives l'art : la présence de la subjectivité de l'auteur, ... l'introduction de pensées dans l'objet représenté, la reconstruction de l'objet en lien avec la compréhension générale du monde par l'artiste. C'est-à-dire que "devenu un fait d'art, le monde matériel s'humanise et se spiritualise, reçoit un sens" (Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialogue avec l'écran, - Talin, 1994. - p. 19-20.)

Lorsque nous photographions, nous intervenons dans le mi environnant, nous en «découpons» un «morceau» de réalité que nous aimions d'une manière ou d'une autre, ou simplement dont nous avions besoin, ou qui coïncidait avec une sorte de notre expérience, exprimait une pensée.

Bien sûr, la photographie en tant qu'art a ses propres moyens d'expression. Lorsque nous regardons une photographie, nous prêtons attention non seulement à l'intrigue, mais également au plan, à l'angle, à la composition du cadre, à la lumière, à la couleur. En les utilisant de manière créative, en utilisant telle ou telle optique, film noir et blanc ou couleur, et maintenant aussi les énormes capacités de l'ordinateur, nous pouvons interpréter les objets du monde à notre manière, créer des images artistiques complexes. Cependant, la connaissance de l'arsenal des moyens d'expression ne garantit toujours pas une image artistique de haute qualité. Comme dans tout art, vous avez besoin ici d'un flair, d'une inspiration et d'un goût particuliers.

Premier sondage : Pourquoi les beaux-arts n'ont-ils pas cessé d'exister après l'avènement de la photographie ?

Conclusion : Sur la base de cette enquête, je peux conclure que 84 % des personnes interrogées pensent que la photographie est devenue l'un des beaux-arts, et 16 % pensent que la photographie est beaucoup plus jeune que les beaux-arts et qu'elle la remplacera probablement à l'avenir.

Conclusion : 32 % des répondants pensent que pour devenir un bon photographe vous devez disposer de l'équipement le plus moderne et de la plus haute qualité, et 64% pensent toujours que l'essentiel n'est pas la technologie, mais qui l'utilise.

Conclusion : Cette question reste controversée pour moi aussi. Le nombre de partisans et d'opposants à l'utilisation de Photoshop en photographie s'est divisé en deux camps identiques, et cette question restera pour nous sans réponse.

Conclusion : Sur la base de cette enquête, nous pouvons juger que 80% des personnes interrogées pensent que la photographie est un art, 4% ont répondu par la négative et 16% ne connaissent pas la réponse à cette question. Qu'en penses-tu?

Conclusion

Mon hypothèse a été confirmée - la photographie n'est pas toujours de l'art.

Tous ceux qui aiment la photographie, admirent les chefs-d'œuvre des professionnels, créent eux-mêmes des œuvres uniques et de haute qualité et ne se fixent en même temps pas pour objectif de vendre leur création - pour cela, la réponse est évidente : la photographie est de l'art !!! Et pour ceux qui prennent simplement des photos pour eux-mêmes, pour la mémoire, la photographie est simplement un avantage pour la vie, une condition nécessaire.

Eh bien, je pense que la question de savoir si la photographie est un art ou non est peut-être aussi difficile à répondre que la question du sens de notre existence. Certaines personnes pensent que si vous aimez une photo et souhaitez ne pas l'avoir prise, alors c'est de l'art. Mais, à mon avis, tout ce que vous aimez n'est pas de l'art, et vice versa, l'art ne doit pas toujours être aimé. Après tout, la beauté et la laideur, le bien et le mal - ces choses sont inséparables, elles doivent donc également remplir l'art. Si nous ne voyons que la beauté, nous ne la percevrons pas. Le mal et la laideur sont aussi nécessaires que l'oxygène à nos poumons. Les gens qui rêvent de bonheur absolu ont plutôt tort, ils ne comprennent pas que s'il n'y avait pas de guerre, il n'y aurait pas de paix, qu'ils ne connaîtraient pas le bonheur pas un gramme, s'ils n'avaient pas connu de chagrin. La vie elle-même serait ennuyeuse, perdrait tout son sens. Il est beaucoup plus intéressant de vivre dans un monde rempli d'opposés qui rendent la vie d'une personne la plus intense et la plus diversifiée.

Littérature

1. Arnheim R. Nouveaux essais sur la psychologie de l'art. - M., 1994, p.132
2. Bazin A. Qu'est-ce que le cinéma ? - M., 1972. - p.44
3. Léontiev A.N. Ouvrages psychologiques choisis. - M., 1983. - p. 237
4. Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialogue avec l'écran, - Talin, 1994.- de 19-20.
5. http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
6. http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg

Photo d'art

une forme de créativité artistique, qui repose sur l'utilisation de possibilités expressives photographies (Voir Photographie).

Dès les premiers jours de son existence, les représentants des beaux-arts se sont tournés vers un nouveau moyen "technique" inhabituel de fixer les images. L'un des inventeurs de la photographie, L. J. M. Daguerre, était un artiste, et les premières images photographiques (daguerréotypes) ont été créées dans la lignée des genres du portrait, du paysage et de la nature morte traditionnels pour la peinture. Les premières photographies imitaient ouvertement les peintures; chaque direction des arts visuels du XIXe siècle (romantisme, réalisme critique, impressionnisme) avait son pendant dans la photographie picturale (c'est-à-dire la peinture imitative). Les adeptes du pictorialisme, dit photographie artistique, ont beaucoup fait pour que F. acquière une haute culture picturale, se sente à sa place connexion organique avec les arts plastiques. De telles recherches ont conduit aux résultats les plus remarquables dans un portrait photographique. G. F. Nadar en France, J. M. Cameron en Grande-Bretagne, A. I. Denier et S. L. Levitsky en Russie, etc. divers effets de prise de vue (éclairage, etc.) pour une transmission fiable des traits de personnalité recréés documentés de la personne représentée.

Si dans le genre du portrait déjà au milieu du 19e siècle. Si se sont développées des possibilités figuratives propres à la seule photographie, alors les œuvres des autres genres ont d'abord appartenu entièrement au courant pictural. Les photographes-pictorialistes, dans la plupart des cas autrefois peintres et graphistes, ont créé des compositions très complexes dans leur conception et leur exécution; souvent en même temps, le photographe devait monter une œuvre à partir de plusieurs négatifs [par exemple, la pompeuse composition allégorique « Deux chemins de vie"Le maître anglais O. Reilander (1856) a été monté à partir de 30 négatifs]. Le processus de travail sur des compositions photographiques comprenait souvent la création de croquis graphiques, comme il est d'usage lors de la création de peintures.

Parallèlement aux directions de F., qui se sont développées dans l'environnement artificiel de l'atelier, déjà à partir des années 1860. la technique de la photographie naturelle se répandit. Cependant, le paysage photographique jusque dans les années 1920. développé dans l'esprit d'imitation d'un paysage pittoresque (Français R. Lamar, Belge L. Misson, Anglais A. Cayley, Russe S.A. Savrasov, etc.). Tout comme dans le genre du portrait, F. s'est répandu soi-disant. L'éclairage Rembrandt, dans le paysage photographique de la fin du XIXe - début du XXe siècle. utilise les principes de la peinture impressionniste.

Photographie ethnographique naturelle de la 2ème moitié du 19ème siècle. était une sorte de carnet de notes voyageuse : elle s'est fixé comme objectif une fixation fiable du matériel vital. Les résultats des premières enquêtes ethnographiques de terrain ont montré la fécondité de cette méthode, car ils ont servi de base à l'émergence photographie de reportage. Les photographies des fronts de Crimée 1853-56 (R. Fenton) ont eu un large écho auprès du public (souvent marqué par une dure véracité). Guerre civile aux États-Unis 1861–65 (M. B. Brady, A. Gardner), guerres russo-turques 1877–1878 (A. I. Ivanov, D. N. Nikitin, M. V. Revensky).

Une importance extrêmement grande, à certains égards décisive, pour la formation de F. était technique réalisations scientifiques en photographie. La découverte d'une méthode de préparation de plaques sèches de brome-gélatine (R. Maddox, Grande-Bretagne, 1871) a permis d'abandonner le soi-disant. collodion humide et de produire des matériaux photographiques en usine, ce qui a grandement simplifié le processus de photographie. Proposé en 1883 par le russe. photographe S. A. Yurkovskii, puis amélioré par l'obturateur à fente de rideau autrichien O. Anschütz, adapté à une exposition courte m , permis de photographier des personnes et des objets en mouvement. La création de l'appareil photo portable Kodak par J. Eastman (USA, 1886-88) donne un nouvel élan au développement de la photographie de reportage. Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle. et au 20ème siècle de nouveaux objectifs photographiques de plus en plus parfaits et diversifiés et d'autres éléments d'optique photographique (par exemple, des accessoires et des objectifs spéciaux pour la photographie panoramique) ont été créés. Les travaux de L. Ducos du Hauron (France, 1868-1869), F. Ives (USA, 1881), G. Lipmann (France, 1891), B. Homolka en 1907 et R. Fischer en 1912 (Allemagne) ont posé les bases base pour la photographie couleur.

Une étape importante dans l'histoire de F. a été les cycles de photographies prises par plusieurs caméras à partir de différents points de vue ("Galloping Horse", 1878 ; "Figure in Motion", "Jumping Girl" - toutes deux de 1887) réalisées par E. Muybridge (USA), qui a révélé une extraordinaire beauté de la plasticité des mouvements réels. En grande partie grâce à ces innovations du premier quart du XXe siècle. l'intérêt pour l'interprétation des formes du monde réel (plutôt que les principes figuratifs développés dans un autre domaine de l'art, c'est-à-dire la peinture) sous la forme de la photographie s'est accru. Avec le pictorialisme dans F. 1910s. l'art documentaire prend de plus en plus d'importance (E. Atget en France, P. Martin en Grande-Bretagne, A. Stiglitz aux USA, M. P. Dmitriev en Russie, etc.), dans la lignée de laquelle se créent des œuvres dédiées à la prose du quotidien urbain ou vie rurale, empreinte d'une ardente sympathie pour le "petit homme".

Un rôle important dans l'évolution de la photographie à ce stade a été joué par des techniques photographiques étroitement liées aux succès du journalisme, comme la prise de vue de reportage avec une "caméra cachée" (Voir Caméra cachée) , la photographie à long terme (l'appareil photo dit familier), la création de séries de photos (c'est-à-dire des essais photographiques ou un cycle de photographies sur un sujet). La formation et le développement de ces formes de photographie documentaire ont été largement associés à l'avènement de l'appareil photo Leika, un appareil photo léger qui fonctionnait sur film (inventé par l'Allemand O. Barnak en 1914 ; la production de masse a commencé en 1925). caractéristique des années 1920. L'enrichissement des possibilités de la photographie de reportage et les acquis de la photographie documentaire ont largement contribué à la reconnaissance définitive de la valeur esthétique indépendante des images photographiques. L'attention était maintenant tournée principalement vers la création d'images véridiques qui reproduisent la vie "dans les formes de la vie elle-même".

Surmontant les traits de la contemplation ethnographique ou purement de genre, caractéristique de nombreuses observations sociales dans la photographie documentaire du début du XXe siècle, les meilleurs représentants du reportage photographique étranger des années 1920 et 1930. réussi à créer des images généralisées de la démocratie bourgeoise en décomposition, sa capitulation face au fascisme imminent (maîtres allemands A. Eisenstadt et E. Zalomon), des images impressionnantes de l'appauvrissement des masses (œuvres de W. Evans, D. Lange, R. Lee, B. Shahn et autres (artisans ayant travaillé au début des années 30 aux États-Unis).

Dans les années 1910-20. des recherches intensives ont été menées sur les possibilités expressives des matériaux photographiques: parmi les maîtres de la photographie, les compositions ont gagné en popularité (les soi-disant photogrammes du hongrois L. Moholy-Nagy et les rayogrammes de l'américain Man Ray; A. Renger-Patch en Allemagne, J. Funke en Tchécoslovaquie et etc.), obtenu sans l'utilisation d'un appareil photo en utilisant Divers articles superposées sur du papier sensible et y laissant leurs traces sous l'influence de la lumière. Ces expériences ont servi de base au développement de la photographie, qui a enrichi l'arsenal des moyens artistiques F.; cependant, un rejet décisif du principe de représentation a ouvert la voie à l'envahissement des concepts modernistes (proches du dadaïsme et du surréalisme en et autres mouvements d'avant-garde).

Le véritable triomphe du documentaire F. était les hiboux. reportage photo des années 20 - début des années 30, né de la nécessité d'une histoire spécifique sur les événements grandioses qui se sont déroulés dans le pays transformations sociales. Les compositions photographiques des années 1920, qui paraissent dans les journaux et les magazines (Spark, Photo soviétique, etc.), prennent immédiatement une place prépondérante parmi les formes d'art révolutionnaire en plein essor. Ouverture en hiboux. caractéristiques de réalité qui révèlent directement le pathos de la construction socialiste, maîtres du documentaire F. 20-s. (M. V. Alpert, B. V. Ignatovich, E. I. Langman, A. M. Rodchenko, S. O. Fridlyand, Ya. N. Khalip, A. S. Shaikhet et autres) ont habilement utilisé des techniques innovantes pour créer une expressivité photographique (angles inhabituels, etc.), sans en faire une fin dans lui-même (par exemple, un point de tir spectaculaire au sommet a permis de rendre dans l'image la véritable ampleur des transformations en cours dans le pays).

Parallèlement à la photographie documentaire, la photographie de studio s'est développée avec succès. Le maître le plus éminent du portrait photographique était M. S. Nappelbaum (il possède le premier L'heure soviétique photo portrait de V. I. Lénine; parmi d'autres maîtres qui ont photographié Lénine, la première place a été prise par P. A. Otsup). Dans les années 20-30. Le photographe portraitiste A. P. Shterenberg et les photographes paysagistes N. P. Andreev, Yu. P. Eremin, S. K. Ivanov-Alliluev, K. A. Lishko et A. V. optique de dessin doux et méthodes d'impression spéciales qui vous permettent de développer des relations tonales en détail.

Rodchenko et L. M. Lissitzky étaient les créateurs de la photographie appliquée soviétique (utilisant souvent la technique du photomontage a), enrichissant les possibilités artistiques de l'illustration de livres, des affiches et de l'art du design.

Une nouvelle étape dans le développement des hiboux. documentaire F. est devenu un reportage de la période de la Grande Guerre patriotique 1941–45 Avec les maîtres de l'ancienne génération, D. N. Baltermants, A. S. Garanin, I. E. Ozersky, M. S. Redkin, M. I. Savin, G. Z. Sanko, M. A. Trakhman, E A. Khaldei, I. M. Shagin, etc. Utilisation de caméras portables ("Leika", "FED "), les reporters militaires ont conservé pour les générations futures une image fidèle de la lutte nationale contre le fascisme. Des reporters d'autres pays de la coalition antihitlérienne (l'Américain D. Duncan et d'autres) ont également contribué à la création de la chronique photographique de la Seconde Guerre mondiale de 1939-1945.

Documentaire étranger F. 1950-1970. caractérisé par le développement diversifié de la photographie de genre, généralement créée à la suite des voyages de photojournalistes envoyés par de grandes agences dans divers pays. Parmi les images documentaires fournies par l'association Magnum, les éditeurs de magazines illustrés tels que Life et les agences de presse (United Press International, Associated Press, Reuters, France Press, etc.), ainsi que des informations photographiques dépersonnalisées conçues pour satisfaire les goûts les plus peu exigeants , il existe de véritables œuvres d'art. Les reportages photographiques de guerre de V. Bishof, R. Capa, D. Seymour, créés lors de l'agression américaine au Vietnam et d'autres guerres des années 1960, se distinguaient par une orientation antimilitariste brillante. Livres photo français. les maîtres d'A. Cartier-Bresson, créés à la suite de ses voyages dans les années 1940 et 1950, attirent avec la capacité virtuose de l'auteur à pénétrer dans la nature de la vie différents peuples Les tendances progressistes de la photographie documentaire contemporaine dans les pays capitalistes sont également représentées par les travaux de B. Davidson, A. Kertész, D. Winer, D. Fried... Le développement de la photographie documentaire dans les pays socialistes est marqué par des réalisations [parmi les principaux maîtres figurent T. Lehr (RDA), L. Lozhynsky (Pologne), E. Pardubsky (Tchécoslovaquie), L. Almashy (Hongrie), A. Mihailopol (Roumanie), I. Skrinsky (Bulgarie)].

La photographie d'art, qui au 19e - début du 20e siècles. (c'est-à-dire en l'absence d'appareils photo de petit format et surtout de matériaux photosensibles, qui interféraient avec le développement de la photographie documentaire) semblaient être la principale et même la seule voie de développement de la créativité photographique, au milieu du 20e siècle. occupait une place plus modeste dans la photographie moderne. Contrairement au photodocumentalisme, basé sur le principe de la reproduction directe des impressions du "flux de la vie", la photographie artistique a continué d'exister comme une forme particulière de créativité photographique, dans laquelle l'auteur interprète la nature à travers la création d'un environnement artificiel (studio photo) ou par diverses transformations en laboratoire (photomontage, photographie qui accentue le contraste noir et blanc sous-jacent à l'image photographique, Solarisation , diverses modifications du processus positif (Voir Processus Positif), etc.). Comme au tournant des XIXe et XXe siècles, la photographie d'art se développe, reflétant avec sensibilité les divers domaines des beaux-arts, y compris nombre de ses tendances de crise. P. Brassai en France, H. Callaghan, D. Kipis, A. Siskind, A. Weston (tous des États-Unis) et d'autres, photographiant le plâtre des vieux murs, des fragments d'affiches, des fissures dans l'asphalte, etc., tandis que changeant l'échelle et la texture au-delà de la reconnaissance, créez des compositions dans l'esprit de l'art abstrait (Voir Art abstrait). Tendances vers la majesté épique dans l'interprétation faune(A. Adams, USA), le psychologisme surréaliste (T. del Tin en Italie, D. Charisiadis en Grèce), la tension expressionniste des images (B. Brandt en Grande-Bretagne) sont caractéristiques du paysage photographique étranger moderne. Les œuvres sont imprégnées de pathos humaniste les meilleurs artisans Europe occidentale et Amer. portrait photographique (R. Avedon, Brassai, J. Karsh, E. Steichen, F. Halsman et autres). F. Reuter (Italie), W. Rauch (Allemagne), E. Hartwig (Pologne) se sont imposés comme des maîtres de la photographie.

Dans les années 1970 l'influence des formes photographiques de la vision artistique sur la peinture et les arts graphiques a énormément augmenté, ce qui a conduit à l'émergence de divers types de soi-disant. hyperréalisme (dont les représentants imitent F., espérant trouver une issue à l'impasse des dernières tendances modernistes).

L'étape moderne du développement des hiboux. documentaire F. (qui a débuté au premier années d'après-guerre) se caractérise par une variété particulière de formes de genre et de manières créatives. L'émergence de nouveaux équipements contribue à la spécialisation de nombreux maîtres dans le domaine certains sujets et domaines de la photographie. L'intérêt constant pour les thèmes de la musique (O. V. Makarov), du ballet (E. P. Umnov), du théâtre dramatique (A. S. Garanin), du sport (I. P. Utkin, V. S. Shandrin), de l'aviation (V M. Lebedev) permet aux auteurs d'acquérir une grande profondeur dans le divulgation figurative de matériel de vie ; le thème de la mémoire des héros de la Grande Guerre patriotique est interprété de manière impressionnante par les photographes qui sont passés sur ses routes (M. P. Ananyin, V. M. Mastyukov). Création de l'Agence de presse Novosti (Voir Agence de presse Novosti) (APN), activités d'actualités TASS, édition un grand nombre magazines illustrés ("Spark", "Union soviétique" , "Change", "écran soviétique", etc.) a élargi la "géographie" du reportage photo soviétique (V. A. Gende-Rote, G. A. Koposov, V. S. Reznikov, V. S. Tarasevich, L. N. Sherstennikov et etc.). Dans les images de la photographie documentaire (principalement dans les grands genres photographiques, comme un essai photographique), apparaissent de plus en plus souvent non seulement des événements, mais aussi des personnes individuelles, interprétées avec une profonde pénétration dans leur psychologie individuelle. La photographie documentaire soviétique moderne est marquée par l'épanouissement du soi-disant. portrait de reportage, dans lequel une personne est photographiée non conditions spéciales studio photo, mais en train d'accoucher, dans les rues de la ville, chez moi. Depuis 1969 (en lien avec la création de la maison d'édition Planet) un nouveau genre de hiboux se développe. documentaire F. [création de livres photo - annuaires ("Photo-70", etc.), almanachs régionaux ("Northern Lights", 1974, etc.), publications d'auteur]. Parmi les écoles nationales de hiboux. documentaire F., qui a finalement pris forme dans les années 60-70, l'une des premières places est occupée par le lituanien (A. Kunchius, A. Maciyauskas, A. Sutkus et autres).

Dans le domaine de la photographie d'art soviétique dans les années 50-70. V. A. Malyshev (portrait photo couleur), A. Kochar, R. L. Baran (qui utilise divers effets d'impression pour accentuer les traits de la personne représentée), les photographes paysagistes A. M. Perevoshchikov et utilisant avec succès les possibilités de la couleur A. G. Bushkin, V. E. Gippenreiter , L.L. Sievert, N.F. Kozlovsky. Des méthodes de photomontage, de photographie, de combinaison négatif-positif, d'impression au moyen de filtres de couleur et de masques sont en cours de développement par L. Balodis, V. S. Butyrin, R. Dikhavicius, P. Karpavicius, P. Tooming et d'autres. la photographie appliquée, qui a attiré l'attention de nombreux artistes photographes (V. F. Plotnikova et autres).

Litt. : Morozov S., Photographie d'art russe, M., 1955 ; la sienne, photographie d'art soviétique, M., 1958 ; le sien, L'art de voir, M., 1963 ; le sien, La photographie parmi les arts, [M., 1971] ; Nappelbaum M., De l'artisanat à l'art, M., 1958 ; photographes. L'Annuaire international de la publicité et de l'éditorial, Z., 1966–; Pawek K. Das Bildaus der Maschine. Skandal und Triumph der Photographic, Olten-Freiburg im Breisgau, 1968; Gernsheim H. et A., L'histoire de la photographie de la camera obscura au début de l'ère moderne, N. Y., ; L'encyclopédie de la photographie, v. 1–20, N.Y.–Toronto–L., ; Cent ans d'histoire photographique, Albuquerque (Nouveau-Mexique), 1975.

A. S. Vartanov.

La première image fixe a été réalisée dans l'année par le Français Joseph Nicéphore Niepce, mais elle n'a pas survécu à ce jour. Ainsi, la première photographie de l'histoire est considérée comme une photographie « vue de la fenêtre », obtenue par Niepce en 1826 à l'aide d'une plaque d'étain recouverte d'une fine couche d'asphalte. a duré huit heures en plein soleil. L'avantage de la méthode de Niépce était que l'image était obtenue en relief (après gravure de l'asphalte), et qu'elle pouvait facilement être reproduite à n'importe quel nombre d'exemplaires.

Les artistes ont réagi à l'invention de la photographie de différentes manières. La principale pierre d'achoppement dans le débat sur la nature artistique de la photographie et le rôle du photographe en tant qu'artiste, créateur d'une œuvre d'art, est devenue une précision extraordinaire dans le transfert des détails, une précision que le peintre le plus habile ne pourrait pas être en compétition avec. Certains ont accueilli avec enthousiasme le light painting, d'autres au contraire ont vu dans l'appareil photo un objet qui capte impassiblement la réalité sans aucune application de la main humaine. Mais à l'aube de son existence, la photographie ne prétendait pas être une œuvre d'art, et jusqu'à la fin des années 1840 on ne peut parler de photographie intentionnelle.

3. Photographier des structures architecturales

C'est un tel genre de photographie représentant des bâtiments et leurs complexes, des ponts, etc. En règle générale, l'objectif est d'obtenir une image documentaire qui crée l'idée nécessaire de apparence l'objet filmé ou ses détails. valeur la plus élevée a un choix de point de prise de vue par hauteur, distance et angle de prise de vue. C'est ce qui détermine la composition globale du cadre, la perspective, le rapport des plans. En milieu urbain, où l'espace manque, le choix d'un est grandement facilité par l'utilisation d'un objectif grand angle ou ultra grand angle.

5. Filmer des sports et des objets en mouvement

Une caractéristique de ces photographies est la vitesse de déplacement. Il est important de montrer la dynamique des mouvements. Les sports ne sont photographiés qu'avec expositions courtes- pas plus de 1/100 s, et souvent 1/500 - 1/1000 s. Pour une telle prise de vue, des appareils photo équipés d'obturateurs rapides et d'objectifs rapides sont nécessaires.

6. Tirer sur des enfants

Il y a une légère similitude entre photographier des enfants et faire du sport. C'est la rapidité. Les enfants ne restent pas assis, donc le plus la manière facile filme des enfants occupés à quelque chose (regarder une pièce de théâtre, écouter un conte de fées, jouer). À ces moments-là, les enfants ne concentrent pas leur attention sur une «chose» intéressante incompréhensible près de votre visage, ils sont absorbés. C'est juste un trésor d'expressions intéressantes! :)

7. Et enfin - tournage de reportage

C'est ce qu'on appelle la méthode de capture d'un événement sans interférer avec son cours naturel. - il s'agit d'une série de photos prises lors d'un événement, lorsque le photographe est limité par le temps et le scénario de ce qui se passe. Ainsi, le reportage replace le photographe dans un cadre temporel et scénaristique. La méthode de prise de vue du reportage exclut la réalisation, bien que dans certaines situations, le photographe puisse provoquer un peu les gens ou les situations. Mais cela arrive rarement - l'art du reportage consiste, sans diriger un plan, à le tourner à l'improviste, au cours de l'action, en trouvant précisément un point, un plan, un moment.
À mon avis, la photo idéale de ce genre est celle qui pourrait illustrer n'importe quel sujet d'actualité sous la rubrique "sans commentaires". L'image devrait parler d'elle-même.

Artistes photographes

Les personnes qui mettent en scène photographies artistiques sont appelés photographes.
Contrairement à un simple photographe, il paie Attention particulière moyens spéciaux Les personnes engagées dans la mise en scène de photographies artistiques sont appelées artistes photographes.
Contrairement à un simple photographe, il porte une attention particulière à des moyens de production particuliers, utilise certaines techniques techniques (choix de l'éclairage, techniques de composition, optique effectrice, post-production, etc.).

Donc - éclairage

Les photographes savent que si la source lumineuse est derrière, le cadre est plat. L'idéal, par exemple, pour les paysages est la lumière latérale (arrière ou avant).
Si nous touchons à l'heure du tournage, alors idéalement, bien sûr, le soir et le matin. A ce moment, la lumière est plus douce et plus diffuse. Quand le soleil est au zénith Température colorée sensiblement plus élevé et son spectre est dominé par les tons bleus et bleus; dans la lumière du matin et du soir, comme mentionné ci-dessus - jaune et orange, et dans l'ombre - du bleu au bleu.