Navnet på op art stilen står for. Leder efter op art i tøj
Navnet på op-art-stilen kommer fra engelsk. "op art", forkortelse for optisk kunst - "optisk kunst". Denne neo-avantgardebevægelse af abstrakt kunst opstod i 1950'erne og blev udbredt i Europa og USA i 1960'erne. Det er blevet et af de intellektuelle alternativer til massemedie-popkunst.
Op art kunstnere som Victor Vasarély, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, Richard Anuszkiewicz og andre skabte rumlige optiske illusioner og efterligning af bevægelse i deres værker ved hjælp af simple geometriske former, der gentog og flyder ind i hinanden.
På billedet: Versailles-model fra Bisazza-fabrikken, design af Braga Marco.
Selvom det kun havde ringe indflydelse på arkitekturen, havde op-kunsten stor indflydelse på grafisk design og indretning. Således blev væggene dækket med flerfarvet tapet med moiré og koncentriske mønstre, der efterlignede bevægelse og vibration, eller dekoreret med store vægpaneler ("Supergraphics"). For visuelt at øge rummets volumen blev der brugt forskellige optiske effekter. Levende eksempler her er den berømte malede pool og trappen, der går ned i den med "rigtige" rækværk, samt "døren" lidt åben til et ikke-eksisterende rum. Illusionen af rumlig bevægelse, svævning og sammensmeltning af former blev opnået ved hjælp af skarpe farve- og tonale kontraster, rytmiske gentagelser, skæringspunktet mellem spiral- og gitterkonfigurationer og snoede linjer. Skiftende lysinstallationer, dynamiske designs blev ofte brugt, materialer med reflekterende overflader (metal, glas, plast) og forskellige stoffer blev brugt.
- 1 af 1
På billedet:
Møbeldesignet var domineret af glatte, buede linjer, kontrasterende farvekombinationer (hvid – sort). Oftest var det lavet af gennemsigtige materialer med en reflekterende overflade (glas, plastik, sammenflettede metaltråde af rammen).
Hovedmotiver:
Kommentar på FB Kommentar til VK
Også i dette afsnit
Oleg Lyugin, udviklingsdirektør i distributionsselskabet MMS Cinema, forklarer, hvorfor et firma, der producerer højttalere til at spille musik, kan være interessant for designere og forbrugere.
Loftsarkitektoniske stil, som opstod fra industrielle lokaler, giver enorme muligheder for fantasi. Det er her, i de travle gamle fabriksbygninger, at de mest kreative ideer bliver produceret.
I dag har mange russiske hjem et separat spiserum. Men det var ikke altid sådan. Hvor stammer kantinen fra? Hvem opfandt det, og hvorfor forsvandt det i næsten et århundrede?
Masseproduktionen af de mest ikoniske hverdagsting blev forudgået af år, og nogle gange årtier, af ingeniørforskning. Vi præsenterer dig for de mest nyttige husopfindelser i historien.
I tidligere århundreder symboliserede dekorationer af nytårstræer evangeliets tradition, derefter velstand og rigdom. Og i det 20. århundrede kunne man lære om nøglebegivenheder i landets liv fra udsmykningen af juletræer i Rusland.
I dag forsøger næsten alle forældre at tildele et separat værelse til deres barn. Men relativt for nylig havde børn ikke deres egne "lejligheder", eller de var meget anderledes end i dag.
Navnet kommer fra engelsk. hi-tech, forkortelse for high technology - high technology. High-tech er også kendt som industriel stil. Født i kølvandet på postmodernismen i Storbritannien.
Postmodernistisk designbevægelse, der opstod i Storbritannien i 1970'erne og 1980'erne. Karakteriseret ved et afslag på at designe masseproducerede varer til fordel for begrænset produktion
Stilens navn kommer fra forkortelsen popular art (engelsk) - popular art. Den anden betydning af ordet er forbundet med onomatopoeisk engelsk. pop – brat slag, klap, lussing, dvs. noget
Navnet kommer fra det franske. postmodernisme - efter modernismen. Hovedtræk ved denne trend er den kaotiske brug af elementer lånt fra fortidens historiske stilarter.
Den postmoderne Memphis Group blev grundlagt den 11. december 1980 i Milano af designerne Ettore Sottsass, Andrea Branzi og Michele de Lucchi.
Udtrykket går tilbage til det franske. rokoko, fra rocaille - fragmenter af sten, skaller. Rokokoen opstod i Frankrig i første halvdel af det 18. århundrede. Dens storhedstid (ca. 1725-1750) fandt sted under regeringstiden
Stil i europæisk kunst og litteratur fra det 17. - tidlige 19. århundrede. Navnet kommer fra lat. classicus - eksemplarisk og udtrykker stilens essens: den er fokuseret på den antikke kunsts former som
Hovedkonceptet for denne stil er efterligningen af naturlige former og den overvejende brug af naturlige materialer. Det opstod i jugendstilen i begyndelsen af det 20. århundrede.
Surrealisme (fransk surréalisme - superrealisme) er en kunstnerisk bevægelse, der udviklede sig inden for rammerne af modernismen i begyndelsen af 1920'erne i Frankrig. Forfatteren og digteren betragtes som dens grundlægger og ideolog
En stil, der eksisterede i 1920'erne hovedsageligt i Rusland (i arkitektur, dekoration, plakatkunst, teater- og dekorativ kunst, forlagsvirksomhed, konstruktion, design).
Mode er smukt og fantastisk, fordi det nogle gange er fuldstændig uforudsigeligt. Denne egenskab har altid forbundet hende med den feminine natur. Og selvom de fleste af de berømte trendsættere er mænd, var kvinder de første til at hente alle deres nye varer og utrolige opfindelser. i denne henseende var de meget betydningsfulde, da det var dengang, at mange nye usædvanlige stilarter dukkede op, som ændrede ideer om mode, femininitet og stil. Folk blev mere og mere frie til at vælge deres tøj, og vigtigst af alt, til at udtrykke sig med deres hjælp. Op art stil dukkede op netop i 60'erne og skabte med sit udseende en ægte sensation.
Det kan ikke forveksles med andre stilarter, da selv den visuelle opfattelse er anderledes end alt, hvad du har set før. Op art stil (kort version) optisk kunst -optisk kunst) kom på mode fra bevægelsen af samme navn inden for billedkunst. Dens grundlægger anses for at være en parisisk kunstner af ungarsk oprindelse Victor Vasarelli(1908 - 1997). De siger, at hans malerier har en speciel musikalitet. De farver og smag, han brugte, kan sammenlignes med det musikalske udvalg. Vasarelli brugte en speciel trykteknik, hvor han gentagne gange påførte lag maling ved hjælp af en stencil. Resultatet blev et maleri. De fleste af Vasarellis malerier er optiske illusioner, hvormed han skabte tredimensionelt rum. I 1938 udkom et af hans mest berømte værker i opart-stilen, Zebras.
Den største forskel mellem denne stil er brugen af forskellige visuelle illusioner baseret på de særlige forhold ved opfattelsen af flade og rumlige figurer. Hvis det billede, du ser, svæver foran dine øjne eller spreder sig i forskellige retninger, er dette ikke andet end en optisk illusion.
En slags spillefelt, som man kan se på i lang tid, og ender i en form for "tredje verden". I optisk maleri er enkle elementer af samme type arrangeret på en sådan måde, at de desorienterer øjet og forhindrer dannelsen af en integreret struktur.
"Ren farve og ren form kan indeholde hele verden." Victor Vasarelli.
Linjer, trekanter, firkanter, cirkler, romber og andre geometriske former er grundlaget for denne retning. De fletter sig ind i hinanden og krydser hinanden, kombineres på utrolige måder, skaber nye former og fanger øjet. De skøre 60'ere fangede alt nyt og usædvanligt op i farten. Frie, futuristiske trends passer nemt ind i virkeligheden og afspejlede sig naturligvis i mode. Ikke alle designere var efter deres smag, men dem, der vovede at tilføje uventede farver til kvinders billeder, blev modtaget med et brag! Disse originale tryk blev brugt i deres samlinger , Larry Aldrich.
American har altid opfanget de mest vovede ideer og har hjulpet med at fremme nye trends blandt sine læsere. Amerikanske designere var de første til at bringe op art-stilen til verdens catwalks.
Efter 60'erne var op-art-stilen ikke altid på toppen af popularitet, men fra tid til anden oplever den nye genfødsler. Designere tilføjer moderne touch til det, hvilket gør det relevant i dag.
Op art kan være sort og hvid, eller den kan lege med alle regnbuens farver, alt afhænger af stemningen. Figurer, der ved første øjekast virker korrekte, antager surrealistiske former inden for en time. Denne stil kombinerer klar matematik og fantasifuld tænkning. Det passer perfekt ind i den teknologiske udviklings tidsalder. Tøj i op art-stilen er kendetegnet ved brugen af stoffer med geometriske mønstre, abstrakte mønstre og lyse, rige, kontrasterende farver. Det bør ikke være af et komplekst snit, da det med sådanne print vil være svært at se.
Hvis jakkesættet indeholder en ting i denne stil, så er det bedre at vælge en anden i et monokromatisk farveskema for ikke at afbryde indtrykket af designet. Og hvis dette er en kjole, så er det også bedre at vælge mere rolige tilbehør, der matcher den. Lysstyrken skal være moderat, ikke prangende. Det gælder hverdagens livsstil, som adskiller sig fra catwalk-versionen, fængende og chokerende.
Der bruges en lang række stoffer, fra tætte, formholdende til lette og luftige. Mange kendte mærker henvender sig til denne stil, som f.eks Marc Jacobs, Louis Vuitton, Michael Kors og andre.
Der er ingen tvivl om, at dette ikke er en kedelig stil, men glem ikke, at den ikke er passende alle steder. Det kan næsten ikke bruges på arbejdet, ellers kan dine kolleger blive svimle ikke af deres arbejde, men af at se på dig). Men hvis du har brug for at skabe en hypnotisk effekt på din forhandlingspartner, ved at bære et outfit i op art-stilen, kan du være 80 % sikker på din sejr på forhånd).
Det er snarere tøj til afslapning, gåture og en aktiv livsstil, da tegningerne selv opmuntrer til dette. Hvis du vil se lyst og mystisk ud og tiltrække andres opmærksomhed, skal du klæde dig i denne stil. En kreativ fest, besøg på en kunstudstilling, rejser er velegnede lejligheder til op-art.
Fortæl dine venner om denne geometrisk fascinerende stil, måske bliver det en ny opdagelse for dem?
Og til dem, der læser artiklen til det sidste, en lille gave). Jeg gør dig opmærksom på et sjovt klip, hvor du kan se hundrede optiske illusioner.
Abonner på nyhederne og lær endnu flere interessante ting!
Find ud af endnu mere interessante ting:
Den originale op-art-stil (op-art er en forkortelse for optisk kunst) eksploderede bogstaveligt talt i mode, født fra maleribevægelsen af samme navn.
Stilen kommer fra 60'erne
Hvad er kendetegnene ved 60'erne i forrige århundrede? Det vigtigste er måske frihedsåndens triumf og som et resultat miniskørter, syntetiske stoffer og den første avantgarde-reklame. Derfor var det dengang, at flere ikke-trivielle stilarter blev født, som var bestemt til at revolutionere ideer om mode. Op art dukkede også op på det tidspunkt. Hans far var den parisiske kunstner Vasarely, som brugte en speciel trykteknik til at påføre flere lag maling, hvilket skabte tredimensionelt rum ved hjælp af en optisk illusion. Op art er baseret på linjer, trekanter, firkanter, cirkler... indviklet sammenflettet, hvilket giver anledning til nye former.
Illusionær printeffekt
Nogle benægtede kategorisk op-kunstens futurisme og accepterede ikke dens "kunstighed" og illusoriske natur, men nogle af de mest dristige couturiere blev seriøst interesserede i en sådan usædvanlig effekt og legemliggjorde den i deres værker. Andre Courrèges, Mary Quant, Larry Aldrich brugte villigt den optiske effekt af nye prints i deres modeller.
Lys geometri
Op art føles fantastisk i dag i ungdomstøj - tag et kig på collager eller billeder af stillegender på T-shirts og tasker. Lys geometri er et yndet tema for nogle popstjerner, og selv mestre, såsom Franco Moschino, er passionerede omkring op-art. Men i det almindelige liv skal du være forsigtig med ham. En eller to ting eller et tilbehør med en "illusorisk effekt" er nok; et look i fuld opart er kun godt for de yngste, slanke og vovede. Det vigtigste er ikke at overdrive det. Her er et par modeller og looks fra Burda i op art-stilen, der vil tilføje et lyst, excentrisk touch til din sædvanlige garderobe og give dig et godt humør.
Sommersæsonen er en myldretid for fashionistaer, for det er på dette tidspunkt, du kan tillade dig selv at lege med looks uden at være begrænset af nogle forbud. Selv dem, der har en streng kontordress, har lov til at foretage nogle justeringer af deres dresscode. I denne sæson tilbyder designere, udover glitter, blomsterprint, sportsmotiver og fauvisme, at vende opmærksomheden mod abstrakt kunst. Op art og kalejdoskopiske tegninger giver dig mulighed for at lege med andres fantasi!
Op art forveksles ofte med udtrykket pop art. Faktisk er forskellen betydelig. Popkunst er massekultur, det er print med billeder af kendte mennesker, det er lyse farver og en blanding af former. Grundlæggeren af denne modetrend var Andy Warhol, som skabte det velkendte portræt af Marilyn Monroe ved hjælp af silketryksteknikken. Op art handler om stramme linjer og geometriske former, rapporterede mønstre og beherskede nuancer. Og også - "hjernebrydende" volumetriske 3D-effekter. Kun en modig kvinde ville vove at bære dette: bemærkelsesværdig opmærksomhed fra andre i sådan et outfit er garanteret!
Oprindelsen af udtrykket op art
Op art er en forkortelse for det engelske navn for den abstrakte kunstform optisk kunst. Med andre ord, for at skabe tøj og billeder i denne retning, bruges et print, der afbilder gentagne geometriske former, der danner en optisk illusion, hvilket skaber effekten af et levende billede, volumen, fremspringende eller forsænkede områder og buler. Interessant mulighed, ikke?
Denne tendens opstod i 60'erne af forrige århundrede. Dets grundlægger anses for at være Victor Vasarely. Denne abstrakte kunstners maleri af to zebraer i 1938 startede en ny trend inden for kunst. Optiske illusioner, et bedrag af vision og tænkning, begyndte at blive aktivt brugt af kunstnere.
I 1966 tog Yves Saint Laurent den kreative idé op og overførte den til mode. På det tidspunkt brugte Hermes-mærket og designere Mary Quant, Andre Courrèges og Larry Aldrich op-art i deres samlinger. Optiske print vandt sympati hos modeelskere, men efter et stykke tid blev de trætte af deres overdrevne kreativitet, forsvandt i baggrunden og gav plads til andre trends. Opmærksomheden på visuelle illusioner genoptog i 2000'erne. Sidste sæson begyndte op-art at vinde popularitet, og denne sommer og efterår er det endnu mere relevant!
Op art i dag
Klassisk op art er akromatisk, en kombination af sorte og hvide farver. I dag er det dog ikke ualmindeligt at se lysere, kontrasterende print med optiske effekter. Disse kan også omfatte kalejdoskopiske mønstre. Gentagende motiver, krydsninger, farveillusioner, bedrag gennem leg med former og størrelser er karakteristiske træk ved op-art-retningen inden for mode. Selve printets geometriske linjer komplicerer silhuetten, så tøj i denne stil har et forenklet design.
Hvad skal man have på med op-art-stilartikler? Ideelt set kombinerer vi bluser og toppe med optiske print med almindelige bukser og nederdele, og kreative illusoriske underdele, med samme logik, med en enkel top. Regler er beregnet til at blive brudt - designerne besluttede og foreslog fashionistas kombinere forskellige op-art motiver i ét look (for eksempel striber og prikker, diamanter og cirkler, glatte zigzags og skarpe linjer, striber og kalejdoskopiske print). Total op-art look er også velkommen.
Hvis et helt opart look ikke er din ting, så tilføj et tematisk twist eller to til dit look, som spiral-toe pumps eller en statement-taske i denne stil.
I foråret-sommersæsonen var mange designere opmærksomme på op art-motiver. Edun-mærket præsenterede en fascinerende kollektion. Modeller gik på landingsbanen i op-art-stil i løse bukser, lyse nederdele, shorts og todelte jakkesæt med udsmykkede mønstre af trekanter, striber og firkanter.
Meget interessante ideer kan ses i samlingen fra Martin Grant: sort og hvid geometri, voluminøse nederdele, elegante silhuetter. Valget af rigtige damer!
Mærket præsenterede en interessant sommerkollektion for publikum. De fineste stoffer plus små striber er ikke helt klassisk op art, men "varm", effekten af denne kombination er fantastisk. Lette solkjoler, lange gennemsigtige gulvlange kjoler, vægtløse flerlags maxi-nederdele er den ideelle løsning til sommerlooks.
Op art-trenden i sæsonen forår-sommer 2014 blev understøttet af sin kollektion af kjoler, bukser og overalls med yndefulde zigzags, krøller og bølger. Roccobarocco-mærket viste frakker, kjoler og bukser i små farvede tern, samt utroligt smukke frodige maxi-solkjoler med striber - en kombination af striber og "blandede" prikker, Tegin - formelle kjoler med lige linjer brudt i forskellige vinkler, Viva Vox - muntert tøj med små op-art indlæg.
Talbot Runhoff tilføjede utroligt interessante jakkesæt og kjoler med små op-art-mønstre til sin kollektion, Raoul-mærket tilbød et print med store zigzags, mærket var tilfreds med flerfarvede geometriske mønstre og kalejdoskopiske motiver - vær ikke genert over at vælge!
Optisk kunst i forskellige fortolkninger er også tilgængelig i sæsonbestemte kollektioner fra,
Imponerende liste, ikke? Hvis så mange designere har ført den samme idé ud i livet, kan den uden tvivl indgå på listen over aktuelle trends!
Lad os blive inspireret af det, vi ser, og skabe vores egne billeder!
Foto: buro247.ru, vogue.ru, artnow.ru, class6a1130.ucoz.ru, zorya.org.ua, a549ok.blogspot.com, enfemenino.com, liveinternet.ru, marieclaire.ru, vvvision.com.ua, trendy.wmj.ru, lifestyle.ru.msn.com, wonderzine.com, karina-kartina.blogspot.com, israwoman.com, marinadicavu.com, modno-nemodno.ru, be-in.ru, kasjauns.lv, thecurvyfashionista.com, fringeassociation.com, andreajanke-accessory.blogspot.com, chicisimo.com, fashionburo.blogspot.com
Treserne blev tiåret med ungdomssubkulturer, excentrisk "papir" og "plastik" mode og minimalisme. Europæiske og amerikanske teenagere protesterede mod deres landes politik og demonstrerede en negativ holdning til forbrugersamfundet ved hjælp af brugt tøj. At ignorere designermodeller af unge mennesker forhindrede ikke Yves Saint Laurents og Valentino Garavanis højprofilerede debut, som også fandt sted i de "skøre tressere". "Hvis du husker 60'erne, var du ikke i live dengang," sagde The Doors-producer Dick Wolf.
"Jo mere skøre jo bedre!"
Den måske mest ekstravagante modetrend i 1960'erne var rumstil. I 1961, og dette påvirkede ikke kun udviklingen af videnskab, men også mode. Designere blev inspireret af nye perspektiver og begyndte at skabe bizarre, "fremmede" modeller. Pioneren inden for "space fashion" var designeren Andre Courrèges, hvis fans bar moon boots og solbriller formet som tennisbolde. Courrèges skabte korte, barnlignende kjoler og dekorerede dem med funklende pailletter og usædvanlige tilbehør.
For sådanne modeller viste kunstige snarere end naturlige materialer sig at være mere egnede - syntetiske, plastik, vinyl. Modedesignere dekorerede kjoler med vinylplader og brugte dem til at fastgøre elementerne i en badedragt. Metal blev også brugt som materiale. Selvfølgelig slog skinnende overalls, bizart formede hjelme og øjenskjolde ikke rod på gaderne, men catwalks på det tidspunkt var fulde af usædvanlige "rum"-modeller, skabt af berømte modedesignere og.
Moden for syntetiske fibre er efterhånden vokset til en tendens til at skabe tøj af materialer, som tidligere blev brugt til helt andre formål. Designere eksperimenterede med materialer lavet til rumdragter, sportstøj og militæruniformer. Modeller gik på catwalken i tøj lavet af vinyl og dacron, som sammenlignet med den konservative parisiske mode fra tidligere årtier så super original og endda revolutionær ud. Excentriciteten af de outfits, der blev foreslået af designerne, blev betragtet som et plus - for mange gik 1960'erne under mottoet: "Jo mere skøre, jo bedre!" Sammen med "plastik" og "vinyl"-tendenserne fandt der også et "papirboom" sted i modeverdenen i denne periode.
I 1966 begyndte Scotts fabrik i USA at producere tøj ud over husholdningsartikler af papir. Papirmodellerne kom i to farver - sort-hvid og gul-sort-rød. Samlingen blev kaldt "Explosion of Color", og det blev anbefalet at skifte den med en saks og reparere den ved hjælp af et ark papir. En lignende kjole kunne bæres op til fem gange, og "papir" modemodeller blev solgt i specialbutikker. Producenter præsenterede de nye dragter som legemliggørelsen af en strålende innovativ idé og et værk af moderne kunst.
Efter at have fanget den nye trend inden for masseproduktion, begyndte designere at skabe papirmodeller. Journalister og offentligheden døbte Eliza Dabbs og Harry Gordon, der producerede kjoler for tre dollars stykket, "papircouturiers". Ikke alle designere var dog så demokratiske - ofte kunne priserne på papirmodeller sammenlignes med couture-outfits. I New York, på Madison Avenue, åbnede Paraphenalia-butikken, der solgte superfashionabelt plastik- og papirtøj. "Enhver, der behandler tøj med patos, er ulækkert. Det er trods alt bare tøj. De skal være sjove, de kan ikke tages seriøst," en af grundlæggerne af Paraphenalia, Paul Young, som var medstifter af kultbutikken , gav udtryk for følelserne blandt unge mennesker.
Kunst i mode
På baggrund af populariteten af malerierne "Green Coca-Cola Bottles" og "Campbell Soup Cans" begyndte Warhol at overføre sine berømte tegninger til stof. Han skabte tøj ud fra sine egne skitser og udgav "Bottle", "Fragility" kjoler og "Suppe"-skjorten, som blev populær "Campbell". Tegninger i pop art-stilen blev også brugt af andre designere i deres modeller, hvilket gjorde den gentagne overførsel af velkendte genstande til stof til en af de mest slående modetrends i 1960'erne.
Hvis biografens indflydelse på mode blev følt i de foregående årtier, trængte maleriet ind i modeindustrien lige i tresserne. En anden tendens, der i vid udstrækning blev afspejlet i massebeklædning, var op-art-stilen. Malerier lavet i denne stil var baseret på lyseffekter og kontrasten mellem sorte og hvide farver. Tendensen til at udtrykke menneskelige følelser ved hjælp af optiske effekter begyndte i 1950'erne og blev udbredt i midten af 1960'erne. Sort-hvide kontrasterende lærreder gjorde ofte seerne svimle, og modedesignere blev tiltrukket af op-art-stilen af dens grafiske enkelhed og nyhed. Typisk var sådanne tøjmodeller af et enkelt snit, hvilket dog blev mere end kompenseret for af de forvrængede geometriske former, stiliserede cirkler og monokrome spiraler og striber afbildet på stoffet. "Den nye bølge af design på stof blev kaldt op art. Moderne arkitektur og maleri blev grundlaget for designet. Der var ikke et spor tilbage af romantikken," skrev magasinet Neue Mode i 1966.
Den nye, lidt excentriske mode var ekstremt populær blandt teenagere. Blandt de modedesignere, der blev inspireret af nye trends inden for maleri, var Larry Aldrich, Andre Courrèges. Sidstnævnte præsenterede i 1965 for offentligheden en samling baseret på arbejdet fra en af grundlæggerne af abstrakt maleri, Piet Mondrian. Modedesignere tilbød et stort udvalg af skøre tilbehør og farvekontraster, men det var sammenstillingen af sort og hvid, der blev årtiets virkelige hit. Siden 1960'erne har designere konstant hentet inspiration fra andre former for kunst og derved bekræftet, at skønhed ikke er en konstant kategori, men en variabel.
"Radikal chic" og stilen af subkulturer
Sammen med verdens modehovedstæder Paris og Milano begyndte London at diktere sin stil i 1960'erne. Førende publikationer kaldte den engelske hovedstad et nyt centrum for stil og mode, og britiske designere tilbød på trods af det konservative Paris ekstravagante modeller, der blev et rigtigt symbol på årtiet.
Efter afslutningen af Anden Verdenskrig og overvindelsen af krisen begyndte den finansielle situation i de europæiske lande at blive bedre. Unge mennesker viede mere tid til musik, biograf og anden underholdning. Sådan trængte den amerikanske mode til jeans og læderjakker ind i London-stilen, og emigranter fra de tidligere britiske kolonier bragte stilen fra Vestindien til Englands hovedstad. Den nye retning, dannet under indflydelse af en række forskellige trends og kulturer, var primært rettet mod teenagere. På gaden i London kunne man på den tid møde både unge mennesker i etnisk tøj og "rebeller" i T-shirts og falmede jeans. I 1966 publicerede Time Magazine en artikel med titlen "London - Swing City". I slutningen af årtiet blev der udgivet film, der afspejlede den revolutionære ånd fra den periode: Blow-Up af Michelangelo Antonioni og The Spectacle af Nicolas Roeg. Samtidig dukkede detailbutikker op på Carnaby Street, som var blevet et ikonisk sted i "swingende London". I 1960'erne tilbød butikkerne revolutionerende design til unge mennesker, og gaden blev berømt over hele verden som et center for uafhængig mode.
Halvtredsernes oprørske følelser blev overført til tresserne. I denne periode klædte selv teenagere fra velhavende familier sig i genbrugsbutikker og understregede deres eksklusivitet og protesterede mod forbrugersamfundet. I store byer blev markeder med retro-tøj populære; teenagere var ikke bange for at kombinere gammeldags ting fra forskellige epoker uden at bekymre sig om mode. Mens velhavende unge mennesker demonstrerede deres subkultur ved bevidst at bære gammelt tøj, blev denne tendens for teenagere fra fattige familier en mulighed for at tilpasse sig trends og ikke bruge penge. Den oprørske ånd blev dog latterliggjort af mange journalister, som kaldte stiliseret fattigdom for en hån mod ægte fattigdom. Den amerikanske forfatter Tom Wolfe talte om unge mennesker som lunefulde børn, der leger på revolution, og kaldte selve tøjstilen "radikal chic". Modedesignere, der forsøgte at behage skiftende smag, begyndte at skabe modeller i stil med 30'erne og 40'erne, men "retro" designertøj var ikke særlig populært - modkulturen ignorerede mode.
Afvisningen af damestil og alle de populære trends i de foregående årtier førte til den mest levende og massive bevægelse i anden halvdel af tresserne - hippierne. "Blomsterbørn", som fremmede kærlighed og fred, og som var uenige i deres staters politik klædt i eksotisk tøj bragt fra andre lande: Sydamerikanske ponchoer, indiske tunikaer og eskimoiske hovedbeklædninger. Hippiernes lyse og rigt broderede outfits blev suppleret med massive smykker - hovedsageligt indiske armbånd og bælter. Hippiefilosofien blev så populær, at mange modedesignere bemærkede funktionalismens tilbagegang. "I modsætning til de romantiske og art nouveau-stile nyder folke- og sportsstile, kombineret med farverigt mexicansk tøj, ekstraordinær succes i dag," skrev magasinet Neue Mode. Usædvanlige, lyse og attraktive indiske motiver fangede hele Europa og Amerika i 1960'erne, og unge mennesker bar nu "Yeti"-jakker, farverige nederdele, udstrakte bukser, tyrkiske bloomers, broderede skjorter og lange pelsfrakker. På trods af at repræsentanter for subkulturerne selv var skeptiske over for mode, skrev blanke publikationer, at den nye stil fortjente tæt opmærksomhed og kunne have en alvorlig indvirkning på modeindustrien.
I slutningen af årtiet faldt lyst psykedelisk tøj lavet af kunstige materialer ind i baggrunden, og militær stil blev et rigtigt hit. Brugen af militære genstande i hverdagen var også en slags protest, der fulgte de protester, der skyllede ind over Europa i 1968: Sådan forsøgte unge mennesker at give tøj beregnet til kampe en fredelig karakter. Camouflage med ru pletter blev dekoreret med fredssymboler, og nederdele og sko i militærstil blev malet i rødt og pink. Repræsentanter for forskellige subkulturer bar sådanne tøj, og store jakker med symboler fra det amerikanske luftvåben var særligt populære. Samtidig begyndte modedesignere at eksperimentere med olivengrøn, kaldet kaki.
Tendensen mod minimalisme og årtiets vigtigste symbol
I 1960'erne blev tøj lavet af elastiske stoffer udbredt. Tanken om, at det var ubelejligt at have en masse ting i garderoben, og at kvinder sagtens kunne klare sig med nogle få basismodeller, besøgte modedesignerne tilbage i 1930'erne og 1940'erne. Claire McCardell foreslog i 1934 at erstatte de mange forskellige stilarter og modeller med nogle få grundlæggende elementer, og i begyndelsen af det næste årti var hun den første til at skabe trikoten - en trikot med lange ærmer - og gjorde den til grundlaget for billedet. Modedesigneren betragtede en sort rullekrave og strømpebukser for at være de grundlæggende garderobeartikler. Idéen om at kombinere flere simple genstande blev virkelig populær i tresserne, hvor kvinder blev opfordret til kun at have en top, jakke, nederdel og bukser i deres garderobe.
At reducere mængden af tøj til et minimum i denne periode blev muligt takket være fremkomsten af elastiske stoffer. I 1960'erne begyndte modedesigneren Giorgio di Sant'Angelo at lede efter nye måder at skabe stoffer på. Han arbejdede med uld og akryltråd og opfandt også elastisk silke, der kunne strække sig i alle retninger. Både badedragter og aftentoppe var lavet af elastisk silke og lycra. Kostumedesigner Jacques Fonterey skrev i 1968: "Jeg er overbevist om, at trikoten eller en af dens varianter vil blive fremtidens vigtigste beklædningsgenstand." Fonterey havde ret: det var de elastiske modeller fra 1960'erne, der tjente som grundlag for skabelsen af moderne tøj, fra træningsdragter til aftentøj.
1960'erne blev endnu et årti, der fuldstændig ændrede ideer om standarderne for kvindelig skønhed. Hvis modedesignere efter krigen fokuserede på mødre til familier og kvinder med kurver, så kom androgyni tilbage i mode i tresserne, og den berømte blev et symbol på nye standarder for tiltrækningskraft. En tynd teenagepige med naivt åbne øjne dukkede op på forsiden af førende blanke publikationer, og piger over hele verden begyndte at følge strenge diæter og ønskede at være som deres idol. Twiggy blev den første model, hvis image legemliggjorde tiårets idealer; modedesignere skabte tøj til meget tynde piger med drengeagtige figurer. Hun optrådte i modemagasiner og på plakater i miniskørter og Mary Quant-kjoler og legemliggjorde "dukke"-stilen, der var ekstremt populær i 1960'erne. Sammen med sine fans havde Twiggy også dårlige ønsker - mange journalister kaldte hende en smerteligt tynd og "sulten" pige, men dette stoppede ikke spredningen af mode til androgyni - i tresserne bar mænd ofte langt hår, og unge kvinder foretrak korte klipninger og minikjoler og udtrykte dermed modvilje mod at blive voksen.
Højprofilerede debuter fra 1960'erne
Treserne markerede begyndelsen på en strålende karriere, som højlydt erklærede sig selv i begyndelsen af årtiet. I 1957, efter Christian Diors død, overtog den 21-årige Saint Laurent som kreativ direktør for House of Dior. Men allerede i 1960 skabte den unge modedesigner sin sidste kollektion for mærket: Dior-ledere besluttede, at den unge designer ikke havde ret til at påtvinge fans af high fashion street style og sagde farvel til Saint Laurent. To år senere udgav couturieren sin første kollektion under eget navn, hvortil han skabte en dobbeltradet blazer med guldknapper og silkebukser. Senere brugte modedesigneren selv og mange andre designere denne model.
Yves Saint Laurent var en af de første modedesignere, der ikke var bange for at skabe revolutionerende tøj i stil med op-art og popkunst, og tilbød også en smoking til kvinder og outfits i stil med "Afrika" og "Safari". Han kombinerede dristigt de lyseste farver, komplementerede en varm pink kjole med en kanariejakke, kombinerede sort med brun, orange med rød og lilla med blå.
En anden højprofileret debut i årtiet var udseendet i modeverdenen af den italienske "sheikh of chic" Valentino Garavani. Uddannet i Paris vendte han tilbage til sit hjemland Italien i slutningen af 1950'erne, hvor han åbnede et modehus, der introducerede verden til hans nu legendariske røde signaturkjoler. Lyse kjoler blev Garavanis visitkort, og designeren skelnede tredive nuancer af rødt. Valentinos højprofilerede internationale debut fandt sted i 1962, og i 1968 udkom hans berømte "hvide kollektion", bestående udelukkende af hvide genstande. Samtidig brugte modedesigneren "V"-logoet for første gang. Feminine kjoler fra Valentino blev symboler på det luksuriøse liv, og Hollywood-stjerner oversvømmede couturier med ordrer. I 1968 dukkede blondekjolen fra Garavani, hvor hun giftede sig med Aristoteles Onassis, op på siderne af næsten alle førende publikationer.