Op-taidetyylin nimi tarkoittaa. Etsitkö op-taidetta vaatteissa

Op-taidetyylin nimi tulee englannista. "op art", lyhenne sanoista optical art - "optical art". Tämä abstraktin taiteen uusavantgardistinen liike syntyi 1950-luvulla ja levisi laajalle Euroopassa ja Yhdysvalloissa 1960-luvulla. Siitä on tullut yksi älyllisistä vaihtoehdoista joukkomedian poptaiteelle.

Op-taiteilijat, kuten Victor Vasarély, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, Richard Anuszkiewicz ja muut loivat teoksissaan spatiaalisia optisia illuusioita ja liikkeen jäljitelmiä yksinkertaisten geometristen muotojen avulla, jotka toistuvat ja virtaavat toisiinsa.

Kuvassa: Versailles-malli Bisazzan tehtaalta, suunnittelija Braga Marco.

Vaikka op-taiteen vaikutus arkkitehtuuriin oli vähäinen, sillä oli suuri vaikutus graafiseen suunnitteluun ja sisustukseen. Siten seinät peitettiin monivärisellä tapetilla, jossa oli moire ja samankeskisiä kuvioita, jotka jäljittelivät liikettä ja tärinää, tai koristeltiin suurilla seinäpaneeleilla ("Supergrafiikka"). Huoneen tilavuuden lisäämiseksi visuaalisesti käytettiin erilaisia ​​optisia tehosteita. Eläviä esimerkkejä tästä ovat kuuluisa maalattu uima-allas ja siihen alas menevä portaikko "oikeilla" kaiteilla sekä "ovi", joka on hieman auki olemattomaan huoneeseen. Tilallisen liikkeen, huiman ja muotojen sulautumisen illuusio saavutettiin terävien väri- ja sävykontrastien, rytmisen toistojen, spiraali- ja hilakonfiguraatioiden risteyksen sekä vääntyvien linjojen avulla. Usein käytettiin vaihtuvia valoinstallaatioita, dynaamisia malleja, heijastavia materiaaleja (metalli, lasi, muovi) ja erilaisia ​​kankaita.

• 1/1

Kuvassa:

Huonekalusuunnittelua hallitsivat sileät, kaarevat linjat, kontrastiväriyhdistelmät (valkoinen – musta). Useimmiten se oli valmistettu läpinäkyvistä materiaaleista, joissa oli heijastava pinta (lasi, muovi, kehyksen kietoutuneet metallilangat).

Tärkeimmät motiivit:

Kommentoi FB:ssä Kommentoi VK:ssa

Myös tässä osiossa

Jakeluyhtiö MMS Cineman kehitysjohtaja Oleg Lyugin selittää, miksi musiikin toistoon kaiuttimia valmistava yritys voi kiinnostaa suunnittelijoita ja kuluttajia.

Teollisuustiloista syntynyt loft-arkkitehtoninen tyyli tarjoaa valtavasti mielikuvituksen mahdollisuuksia. Täällä, vilkkaissa vanhoissa tehdasrakennuksissa, syntyvät luovimmat ideat.

Nykyään monissa venäläisissä kodeissa on erillinen ruokailuhuone. Mutta se ei aina ollut niin. Mistä ruokala on peräisin? Kuka sen keksi ja miksi se katosi lähes vuosisadaksi?

Ikonisimpien arkituotteiden massatuotantoa edelsi vuosien, joskus vuosikymmenien, tekninen tutkimus. Esittelemme sinulle historian hyödyllisimmät kodin keksinnöt.

Aiempina vuosisatoina uudenvuoden puiden koristeet symboloivat evankeliumin perinnettä, sitten vaurautta ja vaurautta. Ja 1900-luvulla voit oppia maan elämän tärkeimmistä tapahtumista Venäjän joulukuusien koristelusta.

Nykyään lähes kaikki vanhemmat yrittävät varata lapselleen erillisen huoneen. Mutta suhteellisen hiljattain lapsilla ei ollut omia "asuntoja" tai ne olivat hyvin erilaisia ​​kuin nykyään.

Nimi tulee englannista. hi-tech, lyhenne sanoista high technology - high technology. High-tech tunnetaan myös teollisena tyylinä. Syntynyt postmodernismin jälkeen Isossa-Britanniassa.

Postmodernistinen muotoiluliike, joka syntyi Isossa-Britanniassa 1970- ja 1980-luvuilla. Jolle on ominaista kieltäytyminen suunnittelemasta massatuotantotuotteita rajoitetun tuotannon hyväksi

Tyylin nimi tulee lyhenteestä popular art (englanniksi) - populaaritaide. Sanan toinen merkitys liittyy onomatopoeettiseen englantiin. pop – äkillinen isku, taputus, isku, ts. jotain

Nimi tulee ranskan kielestä. postmodernismi - modernismin jälkeen. Tämän suuntauksen pääpiirre on menneisyyden historiallisista tyyleistä lainattujen elementtien kaoottinen käyttö.

Postmodernin Memphis Groupin perustivat 11. joulukuuta 1980 Milanossa suunnittelijat Ettore Sottsass, Andrea Branzi ja Michele de Lucchi.

Termi juontaa juurensa ranskalaiseen. rokokoo, rocaillesta - kivipalat, kuoret. Rokokoo sai alkunsa Ranskasta 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Sen kukoistusaika (noin 1725-1750) tapahtui valtakunnan aikana.

Tyyli eurooppalaisessa taiteessa ja kirjallisuudessa 1600-1800-luvulla. Nimi tulee lat. classicus - esimerkillinen ja ilmaisee tyylin olemuksen: se keskittyy muinaisen taiteen muotoihin

Tämän tyylin pääkonsepti on luonnollisten muotojen jäljitelmä ja luonnonmateriaalien hallitseva käyttö. Se sai alkunsa jugendtyylistä 1900-luvun alussa.

Surrealismi (ranskaksi surréalisme - superrealismi) on taiteellinen liike, joka kehittyi modernismin puitteissa 1920-luvun alkuun mennessä Ranskassa. Kirjailijaa ja runoilijaa pidetään sen perustajana ja ideologina

Tyyli, joka oli olemassa 1920-luvulla pääasiassa Venäjällä (arkkitehtuurissa, sisustamisessa, julistetaiteellisessa taiteessa, teatteri- ja koristetaiteessa, kustannuksessa, rakentamisessa, suunnittelussa).

Muoti on kaunista ja hämmästyttävää, koska joskus se on täysin arvaamatonta. Tämä ominaisuus on aina yhdistänyt hänet naiselliseen luontoon. Ja vaikka useimmat kuuluisista suunnannäyttäjistä ovat miehiä, naiset ottivat ensimmäisinä kaikki uudet esineensä ja uskomattomat keksintönsä. Tässä suhteessa ne olivat erittäin merkittäviä, koska juuri silloin ilmestyi monia uusia epätavallisia tyylejä, jotka muuttivat ajatuksia muodista, naiseudesta ja tyylistä. Ihmiset saivat yhä vapaammin valita vaatteensa, ja mikä tärkeintä, ilmaista itseään heidän avullaan. Op taiteen tyyli ilmestyi juuri 60-luvulla ja loi ulkonäöllään todellisen sensaation.

Sitä ei voi sekoittaa muihin tyyleihin, koska jopa visuaalinen havainto eroaa kaikesta, mitä olet aiemmin nähnyt. Op-taidetyyli (lyhyt versio) optinen taide -optinen taide) tuli muotiin kuvataiteen samannimisestä liikkeestä. Sen perustajana pidetään unkarilaista alkuperää olevaa pariisilaistaiteilijaa Victor Vasarelli(1908 - 1997). He sanovat, että hänen maalauksissaan on erityistä musikaalisuutta. Hänen käyttämiään värejä ja makuja voidaan verrata musiikkivalikoimaan. Vasarelli käytti erityistä painotekniikkaa levittäen toistuvasti maalikerroksia stensiiliä käyttäen. Tuloksena oli maalaus. Suurin osa Vasarellin maalauksista on optisia illuusioita, joilla hän loi kolmiulotteisen tilan. Vuonna 1938 julkaistiin yksi hänen tunnetuimmista op-taiteen tyylisistä teoksistaan ​​Zebras.

Suurin ero tämän tyylin välillä on erilaisten visuaalisten illuusioiden käyttö, jotka perustuvat litteiden ja spatiaalisten hahmojen havainnoinnin erityispiirteisiin. Jos näkemäsi kuva leijuu silmiesi edessä tai hajoaa eri suuntiin, tämä ei ole muuta kuin optinen harha.

Eräänlainen pelikenttä, jota voidaan katsella pitkään, päätyen jonkinlaiseen "kolmanneen maailmaan". Optisessa maalauksessa samantyyppiset yksinkertaiset elementit järjestetään siten, että ne häiritsevät silmää ja estävät yhtenäisen rakenteen muodostumisen.

"Puhdas väri ja puhdas muoto voivat sisältää koko maailman." Victor Vasarelli.

Viivat, kolmiot, neliöt, ympyrät, rombit ja muut geometriset muodot ovat tämän suunnan perusta. Ne kietoutuvat ja leikkaavat toisiaan, yhdistyvät uskomattomilla tavoilla, luovat uusia muotoja ja vangitsevat silmää. Hullu 60-luku poimi kaiken uuden ja epätavallisen lennossa. Vapaat, futuristiset trendit sopivat helposti todellisuuteen ja heijastuivat tietysti muodissa. Kaikki suunnittelijat eivät olleet maun mukaisia, mutta ne, jotka uskalsivat lisätä odottamattomia värejä naisten kuviin, otettiin vastaan ​​räjähdysmäisesti! Näitä alkuperäisiä vedoksia käytettiin heidän kokoelmissaan , Larry Aldrich.

American on aina poiminut rohkeimmat ideat ja auttanut edistämään uusia trendejä lukijoidensa keskuudessa. Amerikkalaiset suunnittelijat olivat ensimmäisiä, jotka toivat op-taiteen tyylin maailman catwalkeille.

60-luvun jälkeen op-taiteen tyyli ei aina ollut suosion huipulla, mutta se kokee ajoittain uusia uudestisyntymiä. Suunnittelijat lisäävät siihen moderneja yksityiskohtia, mikä tekee siitä ajankohtainen.

Op-taide voi olla mustavalkoista tai se voi leikkiä kaikilla sateenkaaren väreillä, kaikki riippuu mielialasta. Ensi silmäyksellä oikeilta näyttävät hahmot saavat surrealistisen muodon tunnissa. Tässä tyylissä yhdistyy selkeä matematiikka ja mielikuvituksellinen ajattelu. Se sopii täydellisesti teknisen kehityksen aikakauteen. Op art -tyylisille vaatteille on ominaista geometristen kuvioiden, abstraktien kuvioiden ja kirkkaiden, täyteläisten ja kontrastiväristen kankaiden käyttö. Sen ei pitäisi olla monimutkainen leikkaus, koska sellaisilla tulosteilla sitä on vaikea nähdä.

Jos puku sisältää yhden asian tässä tyylissä, on parempi valita toinen yksivärisessä värimaailmassa, jotta se ei häiritse suunnittelun vaikutelmaa. Ja jos tämä on mekko, on myös parempi valita rauhallisemmat asusteet, jotka sopivat siihen. Kirkkauden tulee olla kohtalainen, ei räikeä. Tämä koskee jokapäiväistä elämäntapaa, joka eroaa catwalk-versiosta, tarttuva ja järkyttävä.

Käytössä on laaja valikoima kankaita tiheistä, muotoaan pitäviä kevyitä ja ilmavia. Monet tunnetut tuotemerkit ovat kääntymässä tähän tyyliin, mm Marc Jacobs, Louis Vuitton, Michael Kors ja muut.

Ei ole epäilystäkään siitä, että tämä ei ole tylsä ​​tyyli, mutta älä unohda, että se ei ole sopiva kaikkialla. Sitä tuskin voi käyttää työssä, muuten kollegasi voivat saada huimausta ei työstään, vaan katsoessaan sinua). Mutta jos sinun on saatava hypnoottinen vaikutus neuvottelukumppaniisi pukemalla op art -tyylistä asua, voit olla 80 % varma voitostasi etukäteen).

Nämä ovat pikemminkin rentoutumiseen, kävelyyn ja aktiiviseen elämäntyyliin tarkoitettuja vaatteita, sillä itse piirustukset kannustavat tähän. Jos haluat näyttää kirkkaalta ja salaperäiseltä ja herättää muiden huomion, pukeudu tähän tyyliin. Luovat juhlat, taidenäyttelyssä käynti, matkustaminen sopivat op-taiteen tilaisuuksiin.

Kerro ystävillesi tästä geometrisesti lumoavasta tyylistä, ehkä siitä tulee heille uusi löytö?

Ja niille, jotka lukevat artikkelin loppuun, pieni lahja). Tuon huomionne hauskan leikkeen, jossa voit nähdä sata optista illuusiota.

Tilaa uutiset ja opi lisää mielenkiintoisia asioita!

Löydä vielä mielenkiintoisempia asioita:

Alkuperäinen op-art-tyyli (op-art on lyhenne sanoista optical art) kirjaimellisesti räjähti muotiin, syntyi samannimisestä maalausliikkeestä.

Tyyli on peräisin 60-luvulta

Mitkä ovat viime vuosisadan 60-luvun piirteet? Ehkä tärkeintä on vapauden hengen voitto ja sen seurauksena minihameet, synteettiset kankaat ja ensimmäinen avantgarde-mainonta. Siksi tuolloin syntyi useita ei-triviaaleja tyylejä, joiden oli tarkoitus mullistaa muodin ideat. Op-taide ilmestyi myös tuolloin. Hänen isänsä oli pariisilainen taiteilija Vasarely, joka käytti erityistä painotekniikkaa levittämällä useita maalikerroksia ja luoden kolmiulotteista tilaa optisen illuusion avulla. Op-taide perustuu linjoihin, kolmioihin, neliöihin, ympyröihin... monimutkaisesti kietoutuneisiin ja synnyttää uusia muotoja.

Illuusioprinttiefekti

Jotkut kielsivät kategorisesti op-taiteen futurismin hyväksymättä sen "keinotekoisuutta" ja illuusiota, mutta jotkut rohkeimmista couturieista kiinnostuivat vakavasti tällaisesta epätavallisesta vaikutuksesta ja ilmensivät sitä teoksissaan. Andre Courrèges, Mary Quant, Larry Aldrich käyttivät mielellään uusien tulosteiden optista vaikutusta malleissaan.

Kirkas geometria

Op-taide tuntuu tänä päivänä upealta nuorten vaatteissa – katso kollaaseja tai tyylilegendojen kuvia T-paidoissa ja laukkuissa. Kirkas geometria on joidenkin poptähtien suosikkiteema, ja jopa mestarit, kuten Franco Moschino, ovat intohimoisia op-taiteeseen. Mutta tavallisessa elämässä sinun on oltava varovainen hänen kanssaan. Yksi tai kaksi asiaa tai "harhavaikutteinen" asuste riittää, kokonaisuus op-taiteeseen sopii vain nuorimmille, hoikkaille ja rohkeille. Pääasia, ettei liioittele. Tässä on muutamia Burdan malleja ja lookeja op art -tyyliin, jotka tuovat kirkkaan, eksentrinen ilmeen tavalliseen vaatekaappiisi ja antavat sinulle upean tunnelman.

Kesäsesonki on muodistajille ruuhka-aika, koska juuri tähän aikaan voit antaa itsesi leikkiä ulkonäöllä ilman, että sinua rajoittavat kiellot. Jopa ne, joilla on tiukka toimistopukukoodi, saavat tehdä joitain muutoksia pukukoodiinsa. Tällä kaudella suunnittelijat tarjoavat glitterien, kukkaprinttien, urheiluaiheiden ja fauvismin lisäksi huomionsa abstraktiin taiteeseen. Op-taide ja kaleidoskooppiset piirustukset antavat sinun leikkiä muiden mielikuvituksella!

Op-taide sekoitetaan usein termiin pop-taide. Itse asiassa ero on merkittävä. Poptaide on massakulttuuria, se on printtejä kuuluisien ihmisten kuvilla, se on kirkkaita värejä ja muotojen sekoitus. Tämän muotisuuntauksen perustaja oli Andy Warhol, joka loi tunnetun muotokuvan Marilyn Monroesta silkkipainotekniikalla. Op-taiteessa on kyse tiukoista linjoista ja geometrisista muodoista, yhteensovitetuista kuvioista ja hillityistä sävyistä. Ja myös - "aivoja särkeviä" volyymia 3D-tehosteita. Vain rohkea nainen uskaltaa käyttää tätä: muilta huomionarvoinen huomio tällaisessa asussa on taattu!

Termin op art alkuperä

Op art on lyhenne abstraktin taiteen muodon optisesta taiteesta englanninkielisestä nimestä. Toisin sanoen vaatteiden ja kuvien luomiseen tähän suuntaan käytetään printtiä, joka kuvaa toistuvia geometrisia muotoja, jotka muodostavat optisen illuusion, luoden liikkuvan kuvan vaikutelman, volyymin, ulkonevia tai upotettuja alueita ja pullistumia. Mielenkiintoinen vaihtoehto, eikö?

Tämä suunta syntyi viime vuosisadan 60-luvulla. Victor Vasarelyä pidetään sen perustajana. Tämän abstraktin taiteilijan maalaus kahdesta seeprasta vuonna 1938 aloitti uuden taiteen suuntauksen. Taiteilijat alkoivat käyttää aktiivisesti optisia illuusioita, näön ja ajattelun huijausta.

Vuonna 1966 Yves Saint Laurent otti luovan idean ja toi sen muotiin. Tuolloin Hermes-brändi ja suunnittelijat Mary Quant, Andre Courrèges ja Larry Aldrich käyttivät kokoelmissaan op-taidetta. Optiset printit voittivat muodin ystävien sympatian, mutta jonkin ajan kuluttua ne kyllästyivät liialliseen luovuuteensa, haalistuivat taustalle ja väistyivät muille trendeille. Huomio visuaalisiin illuusioihin palasi jo 2000-luvulla. Viime kaudella op-taiteen suosio alkoi kasvaa, ja tänä kesänä ja syksynä se on entistäkin ajankohtainen!

Op-taide tänään

Klassinen op-taide on akromaattista, mustan ja valkoisen yhdistelmää. Nykyään ei kuitenkaan ole harvinaista nähdä kirkkaampia, kontrastisia tulosteita optisilla tehosteilla. Niiden joukossa voit sisällyttää kaleidoskooppisia koristeita. Toistuvat motiivit, risteykset, väriilluusiot, huijaus leikkimällä muodoilla ja koolla ovat tyypillisiä muodin op-taiteen suunnan piirteitä. Itse painatuksen geometriset linjat vaikeuttavat siluettia, joten tämän tyylin vaatteilla on yksinkertaistettu muotoilu.

Mitä pukea päälle op-taiteen kanssa? Ihannetapauksessa yhdistämme puseroita ja toppeja optisilla printeillä yksinkertaisiin housuihin ja hameisiin sekä luovia illusorisia alaosia samaa logiikkaa käyttäen yksinkertaiseen toppiin. Säännöt on tarkoitettu rikottaviksi – suunnittelijat päättivät ja ehdottivat fashionistat yhdistävät erilaisia ​​op-art-aiheita yhteen lookiin (esimerkiksi raidat ja pilkut, timantit ja ympyrät, sileät siksakit ja terävät viivat, raidat ja kaleidoskooppiset printit). Täydellinen op-taiteen ilme on myös tervetullut.

Jos täysin op-art look ei ole sinun juttusi, lisää lookkiisi yksi tai kaksi temaattista käännettä, kuten kierrevarvaspumput tai tämän tyylinen ilmelaukku.

Kevät-kesäkaudella monet suunnittelijat kiinnittivät huomiota op-taideaiheisiin. Edun-brändi esitteli kiehtovan malliston. Mallit kävelivät op-art-tyylisellä kiitoradalla löysissä housuissa, kevyissä hameissa, shortseissa ja kaksiosaisissa puvuissa, joissa oli koristeellisia kolmioita, raitoja ja neliöitä.

Martin Grantin kokoelmassa on erittäin mielenkiintoisia ideoita: mustavalkoinen geometria, tilavat hameet, tyylikkäät siluetit. Oikeiden naisten valinta!

Brändi esitteli yleisölle mielenkiintoisen kesämalliston. Hienoimmat kankaat plus pienet raidat eivät ole aivan klassista op-taidetta, vaan "lämpimiä", tämän yhdistelmän vaikutus on hämmästyttävä. Kevyet aurinkopuvut, pitkät läpikuultavat lattialle ulottuvat mekot, painottomat monikerroksiset maxihameet ovat ihanteellisia ratkaisuja kesän ilmeeseen.

Kevät-kesä 2014 op art-trendiä tuki sen mekkojen, housujen ja haalareiden kokoelma, jossa oli siroja siksakkia, kiharoita ja aaltoja. Roccobarocco-brändi esitteli takkeja, mekkoja ja housuja pienissä värillisissä ruuduissa sekä uskomattoman kauniita reheviä maxi-auringonpukuja raidoilla - yhdistelmä raitoja ja "sekakokoisia" pilkkuja, Tegin - muodollisia mekkoja, joissa suoria linjoja on katkaistu eri kulmista, Viva Vox - pirteät vaatteet pienillä op-art lisäkkeillä.

Talbot Runhoff lisäsi kokoelmaansa uskomattoman mielenkiintoisia pukuja ja mekkoja pienillä op-art-kuvioilla, Raoul-brändi tarjosi printin isoilla siksakilla, merkki ilahdutti monivärisiä geometrisia kuvioita ja kaleidoskooppisia kuvioita - älä ujostele valinnassa!

Optista taidetta eri tulkinnassa on saatavilla myös kausikokoelmissa mm.
Vaikuttava lista, eikö? Jos niin monet suunnittelijat ovat toteuttaneet saman idean, se voidaan epäilemättä sisällyttää nykyisten trendien listalle!

Inspiroidutaan näkemästämme ja luodaan omat kuvamme!

Kuva: buro247.ru, vogue.ru, artnow.ru, class6a1130.ucoz.ru, zorya.org.ua, a549ok.blogspot.com, enfemenino.com, liveinternet.ru, marieclaire.ru, vvvision.com.ua, trendy.wmj.ru, lifestyle.ru.msn.com, wonderzine.com, karina-kartina.blogspot.com, israwoman.com, marinadicavu.com, modno-nemodno.ru, be-in.ru, kasjauns.lv, thecurvyfashionista.com, fringeassociation.com, andreajanke-accessory.blogspot.com, chicisimo.com, fashionburo.blogspot.com

60-luvulta tuli nuorten alakulttuurien, eksentrinen "paperi- ja muovimuodin" ja minimalismin vuosikymmen. Eurooppalaiset ja amerikkalaiset teini-ikäiset protestoivat maittensa politiikkaa vastaan ​​ja osoittivat kielteistä asennetta kulutusyhteiskuntaan käytettyjen vaatteiden avulla. Nuorten suunnittelijamallien huomiotta jättäminen ei estänyt Yves Saint Laurentin ja Valentino Garavanin korkean profiilin debyyttiä, joka tapahtui myös "hullulla 60-luvulla". "Jos muistat 60-luvun, et ollut silloin elossa", sanoi The Doors -tuottaja Dick Wolf.

"Mitä hullumpi sen parempi!"

Ehkä 1960-luvun ylellisin muotitrendi oli avaruustyyli. Vuonna 1961, ja tämä ei vaikuttanut vain tieteen kehitykseen, vaan myös muotiin. Suunnittelijat inspiroituivat uusista näkökulmista ja alkoivat luoda outoja, "ulkolaisia" malleja. "Avaruusmuodin" edelläkävijä oli suunnittelija Andre Courrèges, jonka fanit käyttivät moon-saappaat ja tennispallon muotoisia aurinkolaseja. Courrèges loi lyhyitä, lapsenomaisia ​​mekkoja ja koristeli ne kimaltelevilla paljeteilla ja epätavallisilla asusteilla.

Tällaisille malleille keinotekoiset kuin luonnolliset materiaalit osoittautuivat sopivammiksi - synteettiset materiaalit, muovi, vinyyli. Muotisuunnittelijat koristelivat mekot vinyylilevyillä ja käyttivät niitä uimapuvun elementtien kiinnittämiseen. Materiaalina käytettiin myös metallia. Tietenkin kiiltävät haalarit, omituisen muotoiset kypärät ja silmäsuojat eivät juurtuneet kaduille, mutta catwalkit tuolloin olivat täynnä epätavallisia "avaruus"-malleja, jotka olivat luoneet kuuluisat muotisuunnittelijat ja.

Synteettisten kuitujen muoti on vähitellen kasvanut taipumukseksi luoda vaatteita materiaaleista, joita käytettiin aiemmin täysin eri tarkoituksiin. Suunnittelijat kokeilivat materiaaleja, jotka on valmistettu avaruuspukuihin, urheiluvaatteisiin ja sotilasasuihin. Mallit kävelivät catwalkilla vinyylistä ja dacronista tehdyissä vaatteissa, jotka aiempien vuosikymmenien konservatiiviseen pariisilaiseen muotiin verrattuna näyttivät superomaperäiseltä ja jopa vallankumouksellselta. Suunnittelijoiden ehdottamien asujen eksentrisyyttä pidettiin plussana - monille 1960-luku kului mottona: "Mitä hullumpi, sen parempi!" Muovi- ja vinyylitrendien ohella muotimaailmassa tapahtui tänä aikana myös "paperibuumi".

Vuonna 1966 Yhdysvalloissa Scottin tehdas alkoi valmistaa vaatteita paperisten taloustavaroiden lisäksi. Paperimalleja oli kahta väriä - musta-valkoinen ja kelta-musta-punainen. Kokoelman nimi oli ”Väriräjähdys” ja se suositeltiin vaihtaa saksilla ja korjata paperiarkilla. Samanlaista mekkoa voitiin käyttää jopa viisi kertaa, ja ”paperi”-muotimalleja myytiin erikoisliikkeissä. Valmistajat esittelivät uudet puvut loistavan innovatiivisen idean ruumiillistumana ja modernin taiteen teoksena.

Tartuttuaan massatuotannon uuteen trendiin suunnittelijat alkoivat luoda paperimalleja. Toimittajat ja yleisö kutsuivat Eliza Dabbsia ja Harry Gordonia, jotka tuottivat mekkoja kolmella dollarilla kappaleelta, "paperikuturiksi". Kaikki suunnittelijat eivät kuitenkaan olleet niin demokraattisia - usein paperimallien hintoja voitiin verrata couture-asuihin. New Yorkissa Madison Avenuella avattiin Paraphenalia-liike, joka myy supermuodikkaat muovi- ja paperivaatteet. "Jokainen, joka kohtelee vaatteita patosisesti, on inhottavaa. Loppujen lopuksi nämä ovat vain vaatteita. Niiden pitäisi olla hauskoja, niitä ei voi ottaa vakavasti", yksi Paraphenalian perustajista Paul Young, joka oli yksi kulttiliikkeen perustajista. , ilmaisi tunteita nuorten keskuudessa.

Taidetta muodissa

Maalausten "Green Coca-Cola Bottles" ja "Campbell Soup Cans" suosion taustalla Warhol alkoi siirtää kuuluisia piirroksiaan kankaalle. Luoden vaatteita omien luonnoksiensa perusteella hän julkaisi "Pullon", "Fragilityn". mekot ja "Soup"-paita, josta tuli suosittu "Campbell". Pop art -tyylisiä piirroksia käyttivät myös muut suunnittelijat malleissaan, mikä teki tuttujen esineiden toistuvasta siirtämisestä kankaalle yhden 1960-luvun silmiinpistävimmistä muotitrendeistä.

Jos elokuvan vaikutus muotiin tuntui aiempina vuosikymmeninä, niin maalaus tunkeutui muotiteollisuuteen vasta 60-luvulla. Toinen trendi, joka heijastui laajalti joukkovaatteisiin, oli op-taidetyyli. Tällä tyylillä tehdyt maalaukset perustuivat valotehosteisiin ja mustan ja valkoisen värin kontrastiin. Taipumus ilmaista inhimillisiä tunteita optisilla tehosteilla alkoi 1950-luvulla ja yleistyi 1960-luvun puolivälissä. Mustavalkoiset kontrastikankaat saivat katsojat usein huimautumaan, ja muotisuunnittelijat houkuttelivat op-taidetyyliin sen graafinen yksinkertaisuus ja uutuus. Tyypillisesti tällaiset vaatemallit olivat leikkaukseltaan yksinkertaisia, joita kuitenkin enemmän kuin kompensoivat kankaaseen kuvatut vääristyneet geometriset muodot, tyylitellyt ympyrät ja yksiväriset spiraalit ja raidat. "Uutta muotoilun aaltoa kankaalle kutsuttiin op-taiteeksi. Moderni arkkitehtuuri ja maalaus tulivat suunnittelun perustaksi. Romantismista ei jäänyt jälkeäkään", Neue Mode -lehti kirjoitti vuonna 1966.

Uusi, hieman eksentrinen muoti oli erittäin suosittu teini-ikäisten keskuudessa. Muotisuunnittelijoita, jotka inspiroituivat maalauksen uusista suuntauksista, olivat Larry Aldrich, Andre Courrèges. Jälkimmäinen esitteli vuonna 1965 yleisölle kokoelman, joka perustuu yhden abstraktin maalauksen perustajan Piet Mondrianin työhön. Muotisuunnittelijat tarjosivat valtavan valikoiman hulluja asusteita ja värikontrastija, mutta mustan ja valkoisen rinnastamisesta tuli vuosikymmenen todellinen hitti. 1960-luvulta lähtien suunnittelijat ovat jatkuvasti saaneet inspiraatiota muista taiteen muodoista, mikä on vahvistanut, että kauneus ei ole vakio, vaan muuttuva kategoria.

"Radical chic" ja alakulttuurien tyyli

Maailman muotipääkaupunkien Pariisin ja Milanon ohella Lontoo alkoi sanella tyyliään 1960-luvulla. Johtavat julkaisut kutsuivat Englannin pääkaupunkia uudeksi tyylin ja muodin keskukseksi, ja brittiläiset suunnittelijat tarjosivat konservatiivista Pariisia uhmaten ylellisiä malleja, joista tuli todellinen vuosikymmenen symboli.

Toisen maailmansodan päättymisen ja kriisin voittamisen jälkeen Euroopan maiden taloudellinen tilanne alkoi kohentua. Nuoret omistivat enemmän aikaa musiikille, elokuvalle ja muulle viihteelle. Näin amerikkalainen farkkujen ja nahkatakkien muoti tunkeutui Lontoon tyyliin, ja entisistä brittiläisistä siirtomaista tulleet siirtolaiset toivat Länsi-Intian tyylin Englannin pääkaupunkiin. Uusi suunta, joka muodostui erilaisten trendien ja kulttuurien vaikutuksesta, oli suunnattu ensisijaisesti nuorille. Lontoon kaduilla saattoi tuolloin tavata sekä nuoria etnisissä asuissa että "kapinallisia" T-paidoissa ja haalistuneissa farkuissa. Vuonna 1966 Time Magazine julkaisi artikkelin "London - Swing City". Vuosikymmenen lopulla julkaistiin elokuvia, jotka kuvastivat tuon ajanjakson vallankumouksellista henkeä: Michelangelo Antonionin Blow-Up ja Nicolas Roegin The Spectacle. Samaan aikaan vähittäiskaupat ilmestyivät Carnaby Streetille, josta oli tullut ikoninen paikka "keinuvassa Lontoossa". 1960-luvulla putiikit tarjosivat vallankumouksellisia malleja nuorille, ja kadusta tuli maailmanlaajuisesti tunnettu itsenäisen muodin keskuksena.

Viisikymmentäluvun kapinalliset tunteet siirtyivät 60-luvulle. Tänä aikana jopa varakkaiden perheiden teini-ikäiset pukeutuivat käytettyjen tavaroiden myymälöihin korostaen eksklusiivisuuttaan ja protestia kulutusyhteiskuntaa vastaan. Suurissa kaupungeissa retrovaatteiden toreista tuli suosittuja, teini-ikäiset eivät pelänneet yhdistää eri aikakausien vanhanaikaisia ​​asioita välittämättä muodista. Kun varakkaat nuoret osoittivat alakulttuuriaan tarkoituksella vanhoilla vaatteilla, köyhien perheiden teini-ikäisille tämä suuntaus tarjosi mahdollisuuden mukautua trendeihin ja olla tuhlaamatta rahaa. Kapinallista henkeä kuitenkin pilkkasivat monet toimittajat, jotka kutsuivat tyyliteltyä köyhyyttä todellisen köyhyyden pilkkaamiseksi. Amerikkalainen kirjailija Tom Wolfe puhui nuorista vallankumouksessa leikkivistä oikoista lapsista ja kutsui itse pukeutumistyyliä "radikaalityylikkääksi". Muotisuunnittelijat, jotka yrittivät miellyttää muuttuvia makuja, alkoivat luoda malleja 30- ja 40-luvun tyyliin, mutta "retro"-suunnittelijat eivät olleet kovin suosittuja - vastakulttuuri jätti muodin huomiotta.

Lady-tyylin ja kaikkien aiempina vuosikymmeninä suosittujen trendien hylkääminen johti 1960-luvun jälkipuoliskolla eloisimpaan ja massiivisimpaan liikkeeseen - hippeihin. Rakkautta ja rauhaa edistäneet "kukkalapset", jotka olivat eri mieltä osavaltioidensa politiikasta, pukeutuivat muista maista tuotuihin eksoottisiin vaatteisiin: Etelä-Amerikan ponchoihin, intialaisiin tunikoihin ja eskimopäähineisiin. Hippien kirkkaita ja rikkaasti brodeerattuja asuja täydennettiin massiivisilla koruilla - pääasiassa intialaisilla rannekoruilla ja vyöillä. Hippifilosofiasta tuli niin suosittu, että monet muotisuunnittelijat panivat merkille funktionalismin rappeutumisen. "Toisin kuin romanttinen ja jugendtyyli, folk- ja urheilutyylit yhdistettynä värikkäisiin meksikolaisiin vaatteisiin nauttivat tänään poikkeuksellisesta menestyksestä", kirjoitti Neue Mode -lehti. Epätavalliset, kirkkaat ja houkuttelevat intiaaniaiheet valloittivat 1960-luvulla koko Euroopan ja Amerikan, ja nyt nuoret pukeutuivat Yeti-takkeihin, värikkäisiin hameisiin, leveneviin housuihin, turkkilaisiin kukkaviineihin, kirjailtuihin paitoihin ja pitkiin turkkiin. Huolimatta siitä, että alakulttuurien edustajat itse suhtautuivat skeptisesti muotiin, kiiltävät julkaisut kirjoittivat, että uusi tyyli ansaitsi tarkkaa huomiota ja sillä voi olla vakava vaikutus muotiteollisuuteen.

Vuosikymmenen lopulla keinotekoisista materiaaleista valmistetut kirkkaat psykedeeliset vaatteet haalistuvat taustalle ja sotilaatyylistä tuli todellinen hitti. Armeijan käyttö arjessa oli myös eräänlainen protesti, joka seurasi vuonna 1968 Euroopassa riehuneita mielenosoituksia: näin nuoret yrittivät antaa taisteluihin tarkoitetuille vaatteille rauhanomaista luonnetta. Naamiointi karkeilla laikkuilla koristeltiin rauhan symboleilla, ja sotilaatyyliset hameet ja kengät maalattiin punaisella ja vaaleanpunaisella. Eri alakulttuurien edustajat käyttivät tällaisia ​​vaatteita, ja suuret takit Yhdysvaltain ilmavoimien symboleilla olivat erityisen suosittuja. Samaan aikaan muotisuunnittelijat alkoivat kokeilla oliivinvihreää, nimeltään khaki.

Suunta minimalismiin ja vuosikymmenen pääsymboli

1960-luvulla elastisista kankaista valmistetut vaatteet yleistyivät. Ajatus siitä, että vaatekaapissa oli hankalaa olla paljon tavaroita ja että naiset pärjäävät helposti muutamalla perusmalleilla, vieraili muotisuunnittelijoiden luona jo 1930- ja 1940-luvuilla. Claire McCardell ehdotti vuonna 1934 erilaisten tyylien ja mallien korvaamista muutamilla peruselementeillä, ja seuraavan vuosikymmenen alussa hän loi ensimmäisenä trikoot - pitkähihaisen trikoon - ja teki siitä imagon perustan. Muotisuunnittelija piti mustaa villapaitaa ja sukkahousuja vaatekaapin perusesineinä. Ajatus useiden yksinkertaisten esineiden yhdistämisestä tuli todella suosituksi 60-luvulla, kun naisia ​​rohkaistiin pitämään vaatekaapissa vain toppi, takki, hame ja housut.

Vaatteiden määrän vähentäminen minimiin tänä aikana tuli mahdolliseksi joustavien kankaiden tulon ansiosta. 1960-luvulla muotisuunnittelija Giorgio di Sant'Angelo alkoi etsiä uusia tapoja luoda kankaita. Hän työskenteli villa- ja akryylilangalla ja keksi myös elastisen silkin, joka voi venyä mihin tahansa suuntaan. Sekä uimapuvut että iltatopit valmistettiin joustavasta silkistä ja lycrasta. Pukusuunnittelija Jacques Fonterey kirjoitti vuonna 1968: "Olen varma, että trikoosta tai jostakin sen lajikkeista tulee tulevaisuuden perusvaate." Fonterey oli oikeassa: 1960-luvun venyvät mallit toimivat perustana nykyaikaisten vaatteiden luomiselle verryttelypuvuista iltapukuihin.

1960-luvusta tuli toinen vuosikymmen, joka muutti täysin käsitykset naisten kauneuden standardeista. Jos sodan jälkeen muotisuunnittelijat keskittyivät perheäideihin ja kaareviin naisiin, niin 60-luvulla androgyynia palasi muotiin, ja kuuluisasta tuli uusien vetovoimastandardien symboli. Ohut teini-ikäinen tyttö, jolla oli naiivisti avoimet silmät, ilmestyi johtavien kiiltojulkaisujen kansiin, ja tytöt ympäri maailmaa alkoivat noudattaa tiukkoja ruokavalioita haluten olla idolinsa kaltaisia. Twiggystä tuli ensimmäinen malli, jonka kuva ilmensi vuosikymmenen ihanteita; muotisuunnittelijat loivat vaatteita erittäin ohuille tytöille, joilla oli poikamaiset hahmot. Hän esiintyi muotilehdissä ja julisteissa minihameissa ja Mary Quant -mekoissa ja ilmensi "nukke" -tyyliä, joka oli erittäin suosittu 1960-luvulla. Faniensa ohella Twiggyllä oli myös pahantahtoisia - monet toimittajat kutsuivat häntä tuskallisen laihaksi ja "nälkäiseksi" tytöksi, mutta tämä ei estänyt androgyynien muodin leviämistä - 60-luvulla miehet käyttivät usein pitkiä hiuksia ja nuoret naiset pitivät parempana lyhyitä hiustenleikkauksia ja minimekkoja, mikä ilmaisi haluttomuutta kasvaa aikuiseksi.

Korkean profiilin debyytit 1960-luvulla

60-luku merkitsi loistavan uran alkua, joka julisti itsensä äänekkäästi vuosikymmenen alussa. Vuonna 1957, Christian Diorin kuoleman jälkeen, 21-vuotias Saint Laurent aloitti Diorin talon luovana johtajana. Kuitenkin jo vuonna 1960 nuori muotisuunnittelija loi viimeisen kokoelmansa brändille: Diorin johtajat päättivät, että nuorella suunnittelijalla ei ollut oikeutta pakottaa katutyyliä korkean muodin ystäville, ja sanoi hyvästit Saint Laurentille. Kaksi vuotta myöhemmin couturier julkaisi ensimmäisen kokoelmansa omalla nimellä, jota varten hän loi kaksirivisen bleiserin kultaisilla napeilla ja silkkihousuilla. Myöhemmin muotisuunnittelija itse ja monet muut suunnittelijat käyttivät tätä mallia.

Yves Saint Laurent oli yksi ensimmäisistä muotisuunnittelijoista, joka ei pelännyt luoda vallankumouksellisia vaatteita op-taiteen ja pop-taiteen tyyliin, ja tarjosi myös smokin naisille ja asuja "Afrikan" ja "Safarin" tyyliin. Hän yhdisti rohkeasti kirkkaimmat värit, täydentäen kuumaa vaaleanpunaista mekkoa kanarian takkiin, yhdistäen mustan ruskeaan, oranssin punaiseen ja violetin siniseen.

Toinen vuosikymmenen korkean profiilin debyytti oli italialaisen "tyylikäs sheikin" Valentino Garavanin esiintyminen muotimaailmassa. Hän opiskeli Pariisissa ja palasi kotimaahansa Italiaan 1950-luvun lopulla, missä hän avasi muotitalon, joka esitteli maailmalle hänen nykyään legendaariset punaiset mekot. Kirkkaista mekoista tuli Garavanin käyntikortti, ja suunnittelija erotti kolmekymmentä punaisen sävyä. Valentinon korkean profiilin kansainvälinen debyytti tapahtui vuonna 1962, ja vuonna 1968 julkaistiin hänen kuuluisa ”valkoinen kokoelmansa”, joka koostui kokonaan valkoisista esineistä. Samaan aikaan muotisuunnittelija käytti ensin "V"-logoa. Valentinon naisellisista mekoista tuli ylellisen elämän symboleja, ja Hollywood-tähdet tulvivat couturierille tilauksia. Vuonna 1968 Garavanin pitsimekko, jossa hän avioitui Aristoteles Onassisin kanssa, ilmestyi melkein kaikkien johtavien julkaisujen sivuille.